Cultura

Hecht Amar, Antonio García Rodríguez, es un director de cine ubicado en el distrito. En breve estrenará su nuevo trabajo en el Artistic Metropol. Está centrado en el presente: “El futuro no depende ni de mí ni de nadie”:

¿Cuál es el motivo por el que usa este sobrenombre profesional?

Me inspiré en el nombre de un escritor estadounidense, Hecht, que recaló en Granada. Escribió un libro, El Cuentista, en el que e relata la historia de un joven que se enamora de una chica más mayor…Lo de Amar es por una influencia de hinduismo, en donde esta palabra tiene el significado de inmortal.

¿Por qué te dedicaste al cine?

Tras pasar mi infancia en Bruselas, a los quince años vine a Madrid. Allí conocí al actor Adrián Godoy. La verdad es que era un poco rebelde y me atraía esta profesión. Luego estudié en Radio Televisión Española. Me metí en el mundo de la producción y la verdad es que fue como una fuente de vida. Posteriormente estudié realización. Mi madre hizo algo de televisión, estudió periodismo. Mi padre fue por otra rama, trabajaba en la Comisión Europea.

¿Cuáles fueron sus primeros trabajos?

Recuerdo mucho a Fran Ventura, un director que fue mi profesor. Mis primeros cortos fueron Sirope de olvidos y Los días oscuros. Este está inspirado en la Naranja mecánica. Era un corto amateur, por aquel entonces tendría 20 o 21 años. Más adelante hice mi primer largometraje, El depósito de cadáveres: iba de zombis. Hice varios cortos, Cárcel, Calavera Vil. También trabajé con Borja Luna Díaz, un cortometajista que en su última proyección ha sumado más de 800.000 visitas. Con él realicé Los latidos del alma. Tengo ocho proyectos en Pinewood, un festival de Inglaterra, Me he presentado al festival Tres Centim, de Cataluña, a otro japonés… Mi primer guión fue Pecados secretos.

Háblenos del presente y del futuro

Estoy inmerso en un proyecto, Proyectos Duos, el final. Con él pretendo aumentar mi espectro actual y conseguir que me apoye más gente. Lo voy a llevar al festival de Málaga y posiblemente al de San Sebastián. Naturalmente, he ido evolucionando tanto a nivel personal como profesional. Antes era una persona un poco más alocada. Ahora ya no me dejo llevar por esas ideas de genio. Me hecho más serio. Cuando era más joven tenía más fantasías, tenía mi Peter Pan. Ahora soy una persona más adulta que lo que quiere es cumplir objetivos. Tengo un perfil profesional.

¿Cómo se sobrevive en una profesión como esta?

De tus propios recursos, de las amistades, de las personas con las que trates, de ayudas familiares, de  no dejarte llevar por el rumbo equivocado…Se sobrevive si quieres. Si no eres como un barco a la deriva.

¿Pero sin dinero se puede llegar a la cima?

Ha habido casos como Amenábar o David Victori que han sido apoyados por grandes productores. Desde el principio tuvieron un crecimiento exponencial. Pero si tú quieres puedes llegar a donde quieras. No creo que sea cuestión económica.

¿Ha cambiado mucho la forma de exhibir las películas en los últimos tiempos?

Lo que prolifera es el video on demand (vídeo en demanda). Eso exige tener grandes cámaras, contar con un equipo técnico… Para algunos es más difícil. Almodóvar dice que ahora es más fácil hacer cine que antes. Yo pienso que hay más competencia y es más difícil hacerse visible.

¿Cuáles son sus directores favoritos?

Truffaut, Amenábar, Tarantino. Yo creo que son los más creativos y esperpénticos. Mi película favorita podría ser À bout de souffle (Al filo de la escapada), de Godard.

¿La globalización está acabando con los tipos de cine en función de la nacionalidad?

Yo creo que el cine norteamericano siempre ha estado más organizado. Todos queremos trabajar en Estados Unidos. Tienen las grades productoras. Aunque el acceso es muy difícil.

El futuro…

De momento estoy centrado en los festivales que antes he citado. El futuro no depende ni de mí ni de nadie. Ni lo miro. Me gustaría tener mi estilo claro y que le guste a la gente.

En breve tiene un estreno en Madrid.

Sí, en el Artistic Metropol el 5 de febrero estreno Antimafia Virtue. Trata de un policía con dos vertientes: una le lleva al buen camino o otra al mal camino.

“Os quiero proponer la lectura de su obra de teatro Las Tres Reinas Magas: Melchora, Gaspara y Baltasara y de su poema El Camello Cojito. Dos clásicos de la literatura infantil”.

Cuando volvimos a Madrid aquel verano, empecé a indagar sobre aquella parte de su creación literaria que había quedado escondida bajo su faceta de autora exclusivamente infantil, y me parecieron fascinantes su vida y su obra.Conocí a Gloria Fuertes en 1993, en el Rincón de la Victoria, un pueblo de la costa de Málaga. Gloria estaba allí pasando el verano, y yo estaba con mi familia de vacaciones, mis hijos eran pequeños y teníamos en casa libros infantiles de ella. Un día la vi y la saludé, con el reparo de quien se acerca a alguien ilustre, pero Gloria estuvo muy amable y nos enredamos en una conversación acerca de niños y libros y ahí fue cuando, para sorpresa mía, Gloria me habló de sus poemas para adultos. Me recitó algunos con su voz tan característica y descubrí que, detrás de aquella mujer famosa por su literatura infantil, se encontraba una escritora multidisciplinar. Durante algunos días volvimos a coincidir en la playa y seguimos charlando, yo le confesé (con la audacia de los ignorantes) que también escribía y lo que recibí a cambio fue el ánimo de quien lo ha tenido muy difícil y el impulso de seguir la propia vocación. Las vacaciones terminaron para nosotros, ese último día nos despedimos y no volví a verla, pero guardo muy buen recuerdo de aquel verano. En 2017 se organizó un homenaje por el centenario de su nacimiento, así que no quise perderme el evento y allí comprobé lo querida y desconocida que era para el gran público.

Gloria nació en Madrid, en el barrio de Lavapiés, era hija de un bedel y una costurera, una familia humilde y numerosa donde lo primordial era ganarse la vida y la cultura, sobre todo la literaria, no tenía cabida ni utilidad. Fue una niña rara e incomprendida, desde pequeña se sintió poeta (no poetisa, una definición que odiaba) y diferente. Aprendió a leer a los tres años, con cinco ya escribía y dibujaba sus propios cuentos. Su familia nunca entendió a Gloria y ella recuerda en sus escritos la dificultad de leer sin ser castigada, que solo tener un libro en las manos era motivo de disgusto, porque “con los libros no se come”, pero ella tenía claro que no iba a renunciar a su vocación.

A los nueve años me pilló un carro

y a los catorce me pilló la guerra;

A los quince se murió mi madre…,

se fue cuando más falta me hacía.

Aquellos sucesos la marcaron profundamente, perder a su madre y el inicio de la guerra fueron su entrada en el mundo adulto. Empezó a trabajar (había estudiado para secretaria) y compaginaba la contabilidad con la poesía, pero nunca olvidó las miserias de la guerra y la posguerra, el trauma de aquellas vivencias le hicieron ser una pacifista convencida el resto de su vida.

Un niño con un libro de poesía en las manos nunca tendrá de mayor un arma entre ellas.

En los años cincuenta ya colaboraba en diversos medios, había publicado y recibido premios, empezaba a ser una persona conocida. Fundó la tertulia “Versos con Faldas”, de carácter feminista, para dar a conocer a mujeres escritoras. También era motera y conducía su Vespa por Madrid, algo bastante insólito para la época, y entonces consiguió un trabajo que le encantaba:

Dios me hizo poeta y yo me hice bibliotecaria.

En los años cincuenta conoce a su gran amor, su profesora de inglés Phyllis Turnbull, una norteamericana que fue su pareja durante quince años, con ella viajó a Estados Unidos y dio clases en la universidad. Le resultaba divertido comentar que la primera vez que pisó la universidad fue como profesora. Esos años fueron quizá los más felices de su vida. En 1970 muere Phyllis y ella queda destrozada por la pérdida.

Todos los míos han muerto hace años y estoy más sola que yo misma.

La década de los setenta es la que más fama y dinero le dio a Gloria. Seguramente su soledad impuesta la dirigió hacia el trabajo, entonces empezó a participar en programas infantiles leyendo cuentos y versos. Salir en la televisión la hizo famosa como escritora para niños y eclipsó a la otra poeta que llevaba dentro, sin embargo, ella nunca renegó de escribir poesía infantil. Estaba convencida de la necesidad de inculcar el amor a la lectura a los más pequeños, lo que a ella le prohibieron siendo una niña y que tanto le costó conseguir. Dicen que le divertía ser imitada por cómicos, su vestimenta peculiar (camisa y corbata) y su timbre de voz tan característicos movían a risa, pero el compromiso social con la cultura iba más allá.

Antes de contar sílabas, los poetas tienen que contar lo que pasa.

Gloria no fue solo escritora, fue una mujer comprometida, orgullosa lesbiana, activista, feminista y solidaria. En 1998 murió de cáncer de pulmón (también fue una fumadora empedernida, me enteré, como todos, por los medios de comunicación. Dejó su herencia a la fundación “Ciudad de los Muchachos”, un último gesto de su amor a la infancia, y donó gran parte de su biblioteca personal.

No podemos terminar sin la recomendación literaria y, como estamos en enero, os quiero proponer la lectura de su obra de teatro Las Tres Reinas Magas: Melchora, Gaspara y Baltasara y de su poema El Camello Cojito. Dos clásicos de la literatura infantil, con humor y ternura a partes iguales, perfectos para empezar el 2021 con la inocencia y el entusiasmo de los niños.

Beatriz Martínez. Escritora

Prolífico escritor, madrileño de adopción, como tantos, analizó casi a la perfección la realidad de su época. En este mes termina su centenario.

Termina el año 2020, el coronavirus ha copado nuestras vidas y el deseo de ponerle fin es casi unánime, pero en este año también se ha celebrado, con más pena que gloria, el centenario de Benito Pérez Galdós. El autor nació en Las Palmas en 1843 y recaló en Madrid allá por el año 1862. Fue un exilio familiar, por un asunto de amoríos con una prima, pero, lo que al inicio fue forzoso, luego se transformó en gratificante. Madrid adoptó a Galdós cómo hijo propio y el escritor se lo devolvió con creces ganándose el derecho a ser madrileño. Fue el mejor cronista de la villa.

Nadie como él supo plasmar lo que fue el convulso siglo XIX en nuestra ciudad. Gustaba el escritor de callejear por mercados, tabernas, iglesias, cafés o conventos, reflejó la vida cotidiana, el lenguaje castizo, las clases sociales; todo el mundillo decimonónico aparece en sus novelas y nos hace ver que no hemos cambiado tanto. Aún hoy es fácil seguir los itinerarios galdosianos por la ciudad de Madrid. Don Benito conoció los cafés donde se daban cita las figuras culturales de su tiempo, eran lugares de encuentro y discusión. Fue famosa su amistad con Emilia Pardo Bazán y hubo mucha correspondencia entre ellos, en una época en que escribir cartas era un género literario (epistolar, para los más jóvenes, ajenos ya a aquellos ejercicios). Se sabe que entre los dos hubo algo más que amistad, pero esa es otra historia.

Arruinado, enfermo y casi ciego

Al final, como suele suceder en este país con sus figuras literarias, murió arruinado, enfermo y casi ciego, denostado por las nuevas generaciones por su estilo costumbrista y condenado a un olvido que ahora se reconoce como injusto. Dicen que Galdós era abierto, generoso, mujeriego, irónico, buen conversador y de tendencias republicanas, lo que sabemos seguro es que fue muy trabajador, un escritor de profesión que nos dejó casi un centenar de obras.

En estos meses he tenido el placer de releer Fortunata y Jacinta. Aunque salir no se puede, he vuelto a ver Madrid a través de la pluma de Galdós y la he recorrido, acompañando a sus personajes, ficticios y reales. Es una novela coral y moderna (para el siglo XIX), entretenidasobre todo, como debe ser la buena literatura. Una de las novedades de la obra es la aparición del monólogo interior, Galdós penetra dentro de los pensamientos de los personajes, los humaniza y acerca al lector. Es notable como analiza la psicología femenina, en una época en que la mujer era un ser relegado al hogar, con escaso acceso a la educación y a la vida cultural(no olvidemos que a su amiga Emilia Pardo Bazán no se le permitió el acceso a la Real Academia solo por su condición de mujer).

Los conflictos sociales

El tema principal de Fortunata y Jacinta es el adulterio (muy del XIX, como vemos en La Regenta, Madame Bovary o Ana Karenina), pero, alrededor de este suceso, aparecen también los conflictos sociales y políticos de la época, los distintos puntos de vista, las descripciones de la vida burguesa y el pueblo llano, de su manera de hablar y de la moda que se usaba, todo entremezclado para dar una visión de conjunto, no exenta de crítica social. Galdós nos muestra un mundo de luces y sombras, su descripción de la realidad exhibe una gran fuerza narrativa.

Si tenéis curiosidad por Galdós en Madrid (o Madrid en Galdós, si lo preferís), además de Fortunata y Jacinta, tenéis Miau, Misericordia, La desheredada o los capítulos de los Episodios Nacionales que suceden en nuestra ciudad, por poner algunos ejemplos. Hay mucho donde elegir y, en estos tiempos de confinamiento, solo se necesitan un sillón confortable, buena luz y una novela entre las manos para terminar un poco mejor el 2020.

Beatriz Martínez Manzanares/Escritora

Página del Distrito estuvo presente en la programación deportiva de Telemadrid, que realizó un reportaje sobre el actor Kimbo, entrevistado por este medio en el pasado número. El director de esta publicación, José Rubio, fue uno de los intervinientes.

Rubio resaltó durante su presencia en el espacio “el espíritu luchador del actor que reside en San Blas-Canillejas y la trayectoria que había realizado”. Asimismo, manifestó su satisfacción “porque un canal de televisión como Telemadrid recoja asuntos de nuestros barrios, sobre todo cuando se ensalzan valores positivos como el espíritu deportivo, la profesionalidad y la constancia en el trabajo. Nos congratula, por supuesto, que se haya inspirado para hacer el reportaje en una información nuestra. Al fin y al cabo, ambos medios tenemos una clara vocación de servicio público. La historia de Kimbo puede ayudar a muchas personas a seguir superándose y a afrontar la vida con alegría”. En la grabación participaron también Vicente Morales, exvocal vecino de Vox y amigo del actor, y Alicia Leal, profesora de educación física.

El reportaje, que fue enfocado desde un punto de vista deportivo, mostraba la importancia que esta actividad tenía para que Kimbo (José María Sánchez), pese a sus 83 años, presentara una brillantísima forma física y mental. También destacaba la importancia que tuvo para su profesión el deporte. La mayor parte de las imágenes fueron grabadas en las pistas donde entrena el Atletismo Suanzes.

A las preguntas del periodista, Kimbo manifestó su intención de “seguir haciendo deporte durante toda mi vida siempre que me pueda tener en pie. Es algo que he hecho desde pequeño. Fue el propio Gila quien me indujo a hacerlo porque cuando era joven me metía en muchas problemas por el racismo. Prácticamente en aquella época era el único negro que había en España. Empecé con el judo, pero luego –explicó- practiqué michos deportes: boxeo, lucha, fútbol… En todo era bueno”.

Kimbo es hijo de padre cubano y madre española. Nació en Casablanca, aunque a los cinco años se asentó en España. Trabajó con grandes directores, como Sáenz de Heredia, Manolo Summers, Ray García, González Molina o Agustí Villalonga. También es escritor.

Se presentó en Cibeles la programación de JAZZMADRID20. Se celebrará del 5 al 29 de noviembre. Tendrá dos sedes: Centro Centro y Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa.

Será una edición muy especial la de este Festival Internacional de Jazz de Madrid que año a año convierte a la capital en foco de atención para todos los amantes de este género. Organizado por el Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, JAZZMADRID20 hace una apuesta casi total en este 2020 por el jazz nacional, sumando así al placer de disfrutar de nuestros mejores intérpretes un modo de apoyar a los artistas ante los problemas por el que atraviesa el sector musical.

La delegada del Área de Cultura, Turismo y Deporte, Andrea Levy, explicó durante la presentación que “aunque no son tiempos fáciles, la cultura debe continuar”. “Por ello en esta edición estaba claro que debíamos apostar por los músicos nacionales, especialmente golpeados por esta pandemia”. Asimismo, destacó que en esta edición “habrá un despliegue de talento que nos permitirá descubrir junto a valores consolidados de nuestra escena a jóvenes artistas.. La música es el alimento del alma”. Luis Martín es el director artístico del festival y Concha Hernández la directora.

El evento sigue fiel a su filosofía de combinar la presencia de grandes figuras del jazz con la apuesta por los nuevos nombres, además de acompañar a los que ya pasaron o debutaron en esta cita y continúan su carrera de forma ascendente. Un festival de todos y para todos los públicos impulsado desde las instituciones públicas, cuyas entradas se pueden adquirir en festivaldejazz.madrid.es y en las propias sedes de los conciertos.

Flamenco, blues, jazz…

Habrá una gran presencia de colorido flamenco y brillarán también las propuestas de jazz. La Banda Sinfónica Municipal de Madrid hará un repaso de algunos estándares del jazz con invitados como Luis Cobos, Aurora García, Pedro Ruy Blas, Pepe Sánchez o Jayme Marques.

También se lanzará una mirada transversal al jazz, proyectando su visión sobre diferentes ramas de la cultura en su programa de actividades paralelas, como proyección de películas o exposiciones fotográficas.

La cultura y el arte forman parte de la idiosincrasia del distrito. En este caso es la escultura la que rinde homenaje a uno de los más grandes escritores en lengua española, Miguel de Cervantes. La estatua se encuentra en la avenida de Arcentales, en el barrio de Las Rosas.

Se trata de una escultura tallada en bronce, de tamaño natural y estilo realista, que muestra al autor de El Quijote sentado con una pluma. Data de 1999 y fue encargada por el Ayuntamiento de Madrid. Es obra del escultor barcelonés Luis Sanguino, discípulo de Federico Coullaut-Valera. Es la cuarta estatua a Cervantes que se erige en Madrid, tras la realizadas por el escultor Antonio Solá, que desde 1835 preside la plaza de las Cortes; la de Juan Vancell, de 1892, que se encuentra ante la puerta de la Biblioteca Nacional; y el monumento de la plaza de España, diseñado por los arquitectos Rafael Martínez Zapatero y Pedro Muguruza Otaño en colaboración con el escultor Lorenzo Coullaut Valera.

Sanguino, tras residir largas temporadas en Estados Unidos y México, regresó a España en 1986, habiendo realizado numerosas piezas escultóricas repartidas por toda la ciudad, como el bajorrelieve del Encierro y los monumentos al Yiyo y a Antonio Bienvenida situados junto a la plaza de toros de Las Ventas; Los Doce Apóstoles que rodean el tambor de la catedral de la Almudena; y la fuente en Homenaje a la Mujer, pieza ubicada también en el distrito de San Blas-Canillejas.

Si bien no el propio Cervantes, El Quijote ha sido una de las obras escritas que más representaciones artísticas ha suscitado.  Salvador Dalí fue uno de los artistas contemporáneos que más se identificó con el personaje de Cervantes. Ilustró una de las ediciones de la novela, de la que hizo cuatro versiones, además de convertir a Don Quijote y a Sancho Panza en protagonistas de sus obras en numerosas ocasiones. Fue también una de las figuras literarias que más interesó a Picasso, que pintó el conocido dibujo a la aguada sobre el papel ‘Don Quijote y Sancho’. Inicialmente, pintores, escultores y grabadores como Ribalta, Juan Sánchez Cotán, Maíno, Juan Martínez Montáñez o Juan de Mesa prepararon el camino a la generación formada por Ribera, Zurbarán, Velázquez o Alonso Cano.

Tras su primera obra, La Galatea (1585), impresa en Alcalá de Henares, el resto de sus escritos se editaron por primera vez en Madrid, como las Novelas Ejemplares, Viaje del Parnaso y el El Ingenioso Hidalgo Don Quijote de La Mancha. Miguel de Cervantes Saavedra nació en Alcalá de Henares en 1547 y murió en Madrid en 1616. Es el escritor español más representativo y universal de todos los tiempos. Vivió en Valladolid, Córdoba, Sevilla y Madrid.

Con tan solo tres años ya quería ser escritora. Ha escrito varios libros, el último, un poemario: “Necesito ser el mar”.  Ahora apunta al microrrelato para ahondar en las  pequeñas cosas. También forman parte del mar.

¿Myriam, desde cuándo escribes?

Desde que aprendí a leer y después a escribir, con tan solo tres años ya tenía el deseo de ser escritora, escribía poemas y pequeños relatos, cuentos y frases. Cuando me preguntaban qué quería ser de mayor, siempre decía: escritora. Dejé un tiempo de escribir hasta que el Facebook llegó a mi vida. Allí fue donde empecé a publicar mis poemas, hace más de diez años, después de tener unos cien poemas, decidí crear un blog de poesía y más tarde di el salto a la publicación de mi primer poemario.

¿Cuántos libros has publicado?

Hasta el momento he publicado cinco libros, el primero: “Vuelo a la velocidad del Amor”, después un libro coescrito junto a María Luisa Sánchez: “Hacemos sin hacer y todo está hecho”, más tarde el segundo poemario: “Blanco sobre azul”; un libro sobre Taichi “El Taichi del corazón”, y mi último poemario, del que me siento especialmente orgullosa por su fantástica edición, por su calidad en el fondo y en la forma: “Necesito ser el mar”.

Háblanos de “Necesito ser el mar”:

Para mí el mar es muy especial, en momentos complicados de mi vida, como lo eran cuando escribí este libro, el recuerdo del mar me ofrecía refugio, energía y calma. A pesar de vivir y de ser de mar adentro, siempre añoro la presencia del mar, de ahí su título.

¿Por qué Myriam Caterina?

En este último libro es cuando doy un giro y cambio mi nombre real, Myriam Cobos, por el seudónimo Myriam Caterina. Es un libro de renacer, de volver a empezar… Por tanto, cuando alguien nace, lo primero que se hace es darle un nombre. Yo renacía a una nueva vida y quería reflejarlo también de esta manera.

¿Qué nuevos proyectos tienes?

Acabo de registrar un libro en el que muestro un nuevo estilo: el microrrelato. Unos microrrelatos en los que el hilo principal es la importancia de las pequeñas cosas. La importancia de la y, sin dejar, por supuesto, mis poemas, porque también tengo registrado el que será mi cuarto poemario, pero que aún tardará un poquito más en salir.

¿Dónde podemos encontrarte?

Habitualmente me muevo por las redes sociales, podéis encontrarme y seguirme en Instagram, Facebook, Twiter; en mis blogs: “Vuelo a la Velocidad del amor”, “Navegando por el río de la Historia” y “Anima Consilii”; y en mis dos canales de Youtube: “Myriam Cobos Escritora” y “El Taichi del Corazón”.

El grupo Yllana presentó Maestrissimo, una reivindicación del talento a través de una pieza teatral que mezcla la música con la comedia. La obra se ha estrenado en Madrid.

Maestrissimo es una apuesta por el talento, que es la gran fuente de crecimiento de vida. La obra en gran parte es la historia de un segundón sin apellidos, pero con un talento descomunal, que quiere lograr el título de Maestrissimo”, explicó Juan Ramos, director del grupo teatral conjuntamente con David Ottone, durante su presentación a los medios de comunicación. Ramos aprovechó la ocasión para recordar la importancia que tiene en la sociedad la cultura, “los libros, la música, el teatro…”, y el problema que está atravesando esta actividad durante la pandemia: “No sé, la verdad, de qué forma concreta se puede utilizar el talento para superar esta crisis. Pero lo que es cierto es que la cultura sirve para dar un poco oxígeno a Madrid y dotar de un poco de músculo a la ciudad para ayudarla a salir de esta. El teatro no puede tener la misma catalogación que los bares y deber cerrar por la noche como si fuera cualquier espectáculo de ocio nocturno. El público tiene que saber que si viene al teatro va a estar en un sitio en el que hay seguridad. Sabemos que tenemos que navegar en aguas complicadas, pero los políticos deberían valorar la importancia que esta actividad tiene”.

Al margen de su faceta cultural, la obra “es un espectáculo divertidísimo que llega a todo tipo de público, independientemente de su edad y de su preparación musical. No es necesario saber música clásica para entender la obra, ya que utilizamos piezas conocidas por todo el mundo. Hemos tenido una gran éxito en Vitoria y en El Escorial y ahora esperamos tenerlo también en Madrid”.

Jorge Guillén, uno de los actores, resaltó la importancia de mezclar humor, música y teatro. “Sin duda, en la situación en la que estamos sea el mejor momento para llevar esto a la práctica. Con respecto a otros espectáculos estamos muy discriminados, sobre todo cuando ves playas llenas, bares llenos… Nos parece muy bien que esos sectores tengan que sobrevivir, pero la cultura también. La gente tiene que saber que en el teatro cumplimos con todas las medidas de seguridad”.

En el repertorio se mezclan piezas de Bach, Vivaldi, Beethoven, Mozart y Paganini con otras más modernas de grupos como Metálica o Police. “El camino no ha sido fácil y ha habido que trabajar mucho para sincronizar en un mismo espectáculo la cámara y la comedia”, concluyó  Ottone.