Cultura

Prolífico escritor, madrileño de adopción, como tantos, analizó casi a la perfección la realidad de su época. En este mes termina su centenario.

Termina el año 2020, el coronavirus ha copado nuestras vidas y el deseo de ponerle fin es casi unánime, pero en este año también se ha celebrado, con más pena que gloria, el centenario de Benito Pérez Galdós. El autor nació en Las Palmas en 1843 y recaló en Madrid allá por el año 1862. Fue un exilio familiar, por un asunto de amoríos con una prima, pero, lo que al inicio fue forzoso, luego se transformó en gratificante. Madrid adoptó a Galdós cómo hijo propio y el escritor se lo devolvió con creces ganándose el derecho a ser madrileño. Fue el mejor cronista de la villa.

Nadie como él supo plasmar lo que fue el convulso siglo XIX en nuestra ciudad. Gustaba el escritor de callejear por mercados, tabernas, iglesias, cafés o conventos, reflejó la vida cotidiana, el lenguaje castizo, las clases sociales; todo el mundillo decimonónico aparece en sus novelas y nos hace ver que no hemos cambiado tanto. Aún hoy es fácil seguir los itinerarios galdosianos por la ciudad de Madrid. Don Benito conoció los cafés donde se daban cita las figuras culturales de su tiempo, eran lugares de encuentro y discusión. Fue famosa su amistad con Emilia Pardo Bazán y hubo mucha correspondencia entre ellos, en una época en que escribir cartas era un género literario (epistolar, para los más jóvenes, ajenos ya a aquellos ejercicios). Se sabe que entre los dos hubo algo más que amistad, pero esa es otra historia.

Arruinado, enfermo y casi ciego

Al final, como suele suceder en este país con sus figuras literarias, murió arruinado, enfermo y casi ciego, denostado por las nuevas generaciones por su estilo costumbrista y condenado a un olvido que ahora se reconoce como injusto. Dicen que Galdós era abierto, generoso, mujeriego, irónico, buen conversador y de tendencias republicanas, lo que sabemos seguro es que fue muy trabajador, un escritor de profesión que nos dejó casi un centenar de obras.

En estos meses he tenido el placer de releer Fortunata y Jacinta. Aunque salir no se puede, he vuelto a ver Madrid a través de la pluma de Galdós y la he recorrido, acompañando a sus personajes, ficticios y reales. Es una novela coral y moderna (para el siglo XIX), entretenidasobre todo, como debe ser la buena literatura. Una de las novedades de la obra es la aparición del monólogo interior, Galdós penetra dentro de los pensamientos de los personajes, los humaniza y acerca al lector. Es notable como analiza la psicología femenina, en una época en que la mujer era un ser relegado al hogar, con escaso acceso a la educación y a la vida cultural(no olvidemos que a su amiga Emilia Pardo Bazán no se le permitió el acceso a la Real Academia solo por su condición de mujer).

Los conflictos sociales

El tema principal de Fortunata y Jacinta es el adulterio (muy del XIX, como vemos en La Regenta, Madame Bovary o Ana Karenina), pero, alrededor de este suceso, aparecen también los conflictos sociales y políticos de la época, los distintos puntos de vista, las descripciones de la vida burguesa y el pueblo llano, de su manera de hablar y de la moda que se usaba, todo entremezclado para dar una visión de conjunto, no exenta de crítica social. Galdós nos muestra un mundo de luces y sombras, su descripción de la realidad exhibe una gran fuerza narrativa.

Si tenéis curiosidad por Galdós en Madrid (o Madrid en Galdós, si lo preferís), además de Fortunata y Jacinta, tenéis Miau, Misericordia, La desheredada o los capítulos de los Episodios Nacionales que suceden en nuestra ciudad, por poner algunos ejemplos. Hay mucho donde elegir y, en estos tiempos de confinamiento, solo se necesitan un sillón confortable, buena luz y una novela entre las manos para terminar un poco mejor el 2020.

Beatriz Martínez Manzanares/Escritora

Página del Distrito estuvo presente en la programación deportiva de Telemadrid, que realizó un reportaje sobre el actor Kimbo, entrevistado por este medio en el pasado número. El director de esta publicación, José Rubio, fue uno de los intervinientes.

Rubio resaltó durante su presencia en el espacio “el espíritu luchador del actor que reside en San Blas-Canillejas y la trayectoria que había realizado”. Asimismo, manifestó su satisfacción “porque un canal de televisión como Telemadrid recoja asuntos de nuestros barrios, sobre todo cuando se ensalzan valores positivos como el espíritu deportivo, la profesionalidad y la constancia en el trabajo. Nos congratula, por supuesto, que se haya inspirado para hacer el reportaje en una información nuestra. Al fin y al cabo, ambos medios tenemos una clara vocación de servicio público. La historia de Kimbo puede ayudar a muchas personas a seguir superándose y a afrontar la vida con alegría”. En la grabación participaron también Vicente Morales, exvocal vecino de Vox y amigo del actor, y Alicia Leal, profesora de educación física.

El reportaje, que fue enfocado desde un punto de vista deportivo, mostraba la importancia que esta actividad tenía para que Kimbo (José María Sánchez), pese a sus 83 años, presentara una brillantísima forma física y mental. También destacaba la importancia que tuvo para su profesión el deporte. La mayor parte de las imágenes fueron grabadas en las pistas donde entrena el Atletismo Suanzes.

A las preguntas del periodista, Kimbo manifestó su intención de “seguir haciendo deporte durante toda mi vida siempre que me pueda tener en pie. Es algo que he hecho desde pequeño. Fue el propio Gila quien me indujo a hacerlo porque cuando era joven me metía en muchas problemas por el racismo. Prácticamente en aquella época era el único negro que había en España. Empecé con el judo, pero luego –explicó- practiqué michos deportes: boxeo, lucha, fútbol… En todo era bueno”.

Kimbo es hijo de padre cubano y madre española. Nació en Casablanca, aunque a los cinco años se asentó en España. Trabajó con grandes directores, como Sáenz de Heredia, Manolo Summers, Ray García, González Molina o Agustí Villalonga. También es escritor.

Se presentó en Cibeles la programación de JAZZMADRID20. Se celebrará del 5 al 29 de noviembre. Tendrá dos sedes: Centro Centro y Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa.

Será una edición muy especial la de este Festival Internacional de Jazz de Madrid que año a año convierte a la capital en foco de atención para todos los amantes de este género. Organizado por el Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, JAZZMADRID20 hace una apuesta casi total en este 2020 por el jazz nacional, sumando así al placer de disfrutar de nuestros mejores intérpretes un modo de apoyar a los artistas ante los problemas por el que atraviesa el sector musical.

La delegada del Área de Cultura, Turismo y Deporte, Andrea Levy, explicó durante la presentación que “aunque no son tiempos fáciles, la cultura debe continuar”. “Por ello en esta edición estaba claro que debíamos apostar por los músicos nacionales, especialmente golpeados por esta pandemia”. Asimismo, destacó que en esta edición “habrá un despliegue de talento que nos permitirá descubrir junto a valores consolidados de nuestra escena a jóvenes artistas.. La música es el alimento del alma”. Luis Martín es el director artístico del festival y Concha Hernández la directora.

El evento sigue fiel a su filosofía de combinar la presencia de grandes figuras del jazz con la apuesta por los nuevos nombres, además de acompañar a los que ya pasaron o debutaron en esta cita y continúan su carrera de forma ascendente. Un festival de todos y para todos los públicos impulsado desde las instituciones públicas, cuyas entradas se pueden adquirir en festivaldejazz.madrid.es y en las propias sedes de los conciertos.

Flamenco, blues, jazz…

Habrá una gran presencia de colorido flamenco y brillarán también las propuestas de jazz. La Banda Sinfónica Municipal de Madrid hará un repaso de algunos estándares del jazz con invitados como Luis Cobos, Aurora García, Pedro Ruy Blas, Pepe Sánchez o Jayme Marques.

También se lanzará una mirada transversal al jazz, proyectando su visión sobre diferentes ramas de la cultura en su programa de actividades paralelas, como proyección de películas o exposiciones fotográficas.

La cultura y el arte forman parte de la idiosincrasia del distrito. En este caso es la escultura la que rinde homenaje a uno de los más grandes escritores en lengua española, Miguel de Cervantes. La estatua se encuentra en la avenida de Arcentales, en el barrio de Las Rosas.

Se trata de una escultura tallada en bronce, de tamaño natural y estilo realista, que muestra al autor de El Quijote sentado con una pluma. Data de 1999 y fue encargada por el Ayuntamiento de Madrid. Es obra del escultor barcelonés Luis Sanguino, discípulo de Federico Coullaut-Valera. Es la cuarta estatua a Cervantes que se erige en Madrid, tras la realizadas por el escultor Antonio Solá, que desde 1835 preside la plaza de las Cortes; la de Juan Vancell, de 1892, que se encuentra ante la puerta de la Biblioteca Nacional; y el monumento de la plaza de España, diseñado por los arquitectos Rafael Martínez Zapatero y Pedro Muguruza Otaño en colaboración con el escultor Lorenzo Coullaut Valera.

Sanguino, tras residir largas temporadas en Estados Unidos y México, regresó a España en 1986, habiendo realizado numerosas piezas escultóricas repartidas por toda la ciudad, como el bajorrelieve del Encierro y los monumentos al Yiyo y a Antonio Bienvenida situados junto a la plaza de toros de Las Ventas; Los Doce Apóstoles que rodean el tambor de la catedral de la Almudena; y la fuente en Homenaje a la Mujer, pieza ubicada también en el distrito de San Blas-Canillejas.

Si bien no el propio Cervantes, El Quijote ha sido una de las obras escritas que más representaciones artísticas ha suscitado.  Salvador Dalí fue uno de los artistas contemporáneos que más se identificó con el personaje de Cervantes. Ilustró una de las ediciones de la novela, de la que hizo cuatro versiones, además de convertir a Don Quijote y a Sancho Panza en protagonistas de sus obras en numerosas ocasiones. Fue también una de las figuras literarias que más interesó a Picasso, que pintó el conocido dibujo a la aguada sobre el papel ‘Don Quijote y Sancho’. Inicialmente, pintores, escultores y grabadores como Ribalta, Juan Sánchez Cotán, Maíno, Juan Martínez Montáñez o Juan de Mesa prepararon el camino a la generación formada por Ribera, Zurbarán, Velázquez o Alonso Cano.

Tras su primera obra, La Galatea (1585), impresa en Alcalá de Henares, el resto de sus escritos se editaron por primera vez en Madrid, como las Novelas Ejemplares, Viaje del Parnaso y el El Ingenioso Hidalgo Don Quijote de La Mancha. Miguel de Cervantes Saavedra nació en Alcalá de Henares en 1547 y murió en Madrid en 1616. Es el escritor español más representativo y universal de todos los tiempos. Vivió en Valladolid, Córdoba, Sevilla y Madrid.

Con tan solo tres años ya quería ser escritora. Ha escrito varios libros, el último, un poemario: “Necesito ser el mar”.  Ahora apunta al microrrelato para ahondar en las  pequeñas cosas. También forman parte del mar.

¿Myriam, desde cuándo escribes?

Desde que aprendí a leer y después a escribir, con tan solo tres años ya tenía el deseo de ser escritora, escribía poemas y pequeños relatos, cuentos y frases. Cuando me preguntaban qué quería ser de mayor, siempre decía: escritora. Dejé un tiempo de escribir hasta que el Facebook llegó a mi vida. Allí fue donde empecé a publicar mis poemas, hace más de diez años, después de tener unos cien poemas, decidí crear un blog de poesía y más tarde di el salto a la publicación de mi primer poemario.

¿Cuántos libros has publicado?

Hasta el momento he publicado cinco libros, el primero: “Vuelo a la velocidad del Amor”, después un libro coescrito junto a María Luisa Sánchez: “Hacemos sin hacer y todo está hecho”, más tarde el segundo poemario: “Blanco sobre azul”; un libro sobre Taichi “El Taichi del corazón”, y mi último poemario, del que me siento especialmente orgullosa por su fantástica edición, por su calidad en el fondo y en la forma: “Necesito ser el mar”.

Háblanos de “Necesito ser el mar”:

Para mí el mar es muy especial, en momentos complicados de mi vida, como lo eran cuando escribí este libro, el recuerdo del mar me ofrecía refugio, energía y calma. A pesar de vivir y de ser de mar adentro, siempre añoro la presencia del mar, de ahí su título.

¿Por qué Myriam Caterina?

En este último libro es cuando doy un giro y cambio mi nombre real, Myriam Cobos, por el seudónimo Myriam Caterina. Es un libro de renacer, de volver a empezar… Por tanto, cuando alguien nace, lo primero que se hace es darle un nombre. Yo renacía a una nueva vida y quería reflejarlo también de esta manera.

¿Qué nuevos proyectos tienes?

Acabo de registrar un libro en el que muestro un nuevo estilo: el microrrelato. Unos microrrelatos en los que el hilo principal es la importancia de las pequeñas cosas. La importancia de la y, sin dejar, por supuesto, mis poemas, porque también tengo registrado el que será mi cuarto poemario, pero que aún tardará un poquito más en salir.

¿Dónde podemos encontrarte?

Habitualmente me muevo por las redes sociales, podéis encontrarme y seguirme en Instagram, Facebook, Twiter; en mis blogs: “Vuelo a la Velocidad del amor”, “Navegando por el río de la Historia” y “Anima Consilii”; y en mis dos canales de Youtube: “Myriam Cobos Escritora” y “El Taichi del Corazón”.

El grupo Yllana presentó Maestrissimo, una reivindicación del talento a través de una pieza teatral que mezcla la música con la comedia. La obra se ha estrenado en Madrid.

Maestrissimo es una apuesta por el talento, que es la gran fuente de crecimiento de vida. La obra en gran parte es la historia de un segundón sin apellidos, pero con un talento descomunal, que quiere lograr el título de Maestrissimo”, explicó Juan Ramos, director del grupo teatral conjuntamente con David Ottone, durante su presentación a los medios de comunicación. Ramos aprovechó la ocasión para recordar la importancia que tiene en la sociedad la cultura, “los libros, la música, el teatro…”, y el problema que está atravesando esta actividad durante la pandemia: “No sé, la verdad, de qué forma concreta se puede utilizar el talento para superar esta crisis. Pero lo que es cierto es que la cultura sirve para dar un poco oxígeno a Madrid y dotar de un poco de músculo a la ciudad para ayudarla a salir de esta. El teatro no puede tener la misma catalogación que los bares y deber cerrar por la noche como si fuera cualquier espectáculo de ocio nocturno. El público tiene que saber que si viene al teatro va a estar en un sitio en el que hay seguridad. Sabemos que tenemos que navegar en aguas complicadas, pero los políticos deberían valorar la importancia que esta actividad tiene”.

Al margen de su faceta cultural, la obra “es un espectáculo divertidísimo que llega a todo tipo de público, independientemente de su edad y de su preparación musical. No es necesario saber música clásica para entender la obra, ya que utilizamos piezas conocidas por todo el mundo. Hemos tenido una gran éxito en Vitoria y en El Escorial y ahora esperamos tenerlo también en Madrid”.

Jorge Guillén, uno de los actores, resaltó la importancia de mezclar humor, música y teatro. “Sin duda, en la situación en la que estamos sea el mejor momento para llevar esto a la práctica. Con respecto a otros espectáculos estamos muy discriminados, sobre todo cuando ves playas llenas, bares llenos… Nos parece muy bien que esos sectores tengan que sobrevivir, pero la cultura también. La gente tiene que saber que en el teatro cumplimos con todas las medidas de seguridad”.

En el repertorio se mezclan piezas de Bach, Vivaldi, Beethoven, Mozart y Paganini con otras más modernas de grupos como Metálica o Police. “El camino no ha sido fácil y ha habido que trabajar mucho para sincronizar en un mismo espectáculo la cámara y la comedia”, concluyó  Ottone.

Lleva 12 años llevando arte a distintos lugares. Más de 100 exposiciones a sus espaldas, y un poco también la edad, hace que le duelan las piernas. Su mayor preocupación es que la gente disfrute de su legado. Su apuesta, Arte en la Calle.

Qué es Arte en la Calle

Yo dirijo un grupo de artistas que se llama Arte en la Calle,  en la que nos reunimos una vez al mes en una plaza de Moratalaz. Y dentro de ese grupo organizamos a veces entre dos o tres un grupo pequeño, una exposición determinada, en este caso me acompañan en la exposición Pedro Sánchez Puebla, María Ciudad, Esperanza del Valle. La exposición es una retrospectiva de la vida de los años 50, en ella se puede ver cómo eran los comercios, escenas de la vida cotidiana de la familia, de los niños y también la decadencia de esos comercios pasados los años.

¿Cuál es el papel de su compañera María?

María es una artista todo terreno, domina lo que yo le pida. A María le podía pedir lo que fuera: óleo, wash, pastel…; María siempre está dispuesta a todo. Esperanza y Pedro dominan la acuarela. Pedro es un artista rapidísimo, encaja enseguida con  lo que yo le pido.

¿Cómo surgió el tema de los paneles?

En mi exposición siempre pongo un libro de firmas y la gente me firma, me cuenta cosas, dedicatorias entrañables o pequeñas historias de su vida que le han ocurrido. Y a esas historias las he ido recopilando y basándome en ellas. He hecho unas cartas recordando lo que me cuentan y lo que yo he vivido en esa época y la verdad es que a mi me pareció un poco excesivo. Pero la gente se para y los lee todos. Leerse los carteles en una exposición mía completa puede llevar media hora. La gente pierde media hora leyendo los carteles,  lo cual es que me satisface mucho.

¿Y la problemática del cartel?

El tiempo pone a cada uno en su sitio. Y a veces la rectificación es lo que hace suscitar más polémica o crear más. ¿Qué si hay mal gusto? Claro. Todo lo que comentaba es que son cosas, es decir, no es una opinión ni de entonces ni mía, es que era así. No podemos decir que Hitler no mataba a los judíos. Era así, esa es mi teoría, no hay otra historia.

¿Qué resalta de esta situación y de su trayectoria?

Lo que yo más echo en falta es la ausencia de información, de poder pensar por mi mismo con datos de lo que va a pasar, eso es lo que les incomoda a todos.

Y ya soy mayor y soy muy obediente. Si me dicen que me quede en casa me quedo en casa, pero me da rabia no saber si me puedo contagiar por dar la mano a alguien,  por tocar una cartera. Esto me incomoda y mi molesta.

Respecto a mi trayectoria, llevo 12 años exponiendo: 12 años. Más de 100 exposiciones. Estoy cansado porque mis piernas pesan mucho. El año pasado decidí ofrecer toda la colección que tengo a quien la quiera para exponerla, pero no encontré a nadie, nadie la quiere, ni el Ayuntamiento, ni la Comunidad. Pues nos tenemos que aguantar.

¿Ha disfrutado con su trabajo?

Mucho, mucho, mucho. Además, hay una cosa que me satisface mucho que es, por ejemplo, la sala de la que venimos, la sala de la casa de Loht de la Lonja. Es una sala maravillosa, he conseguido exponer tres veces allí. Es muy difícil y cada vez que he expuesto ha sido con mucho éxito. Hay un centro de Mayores al lado y se me llenaba la sala de gente mayor. Y una de las exposiciones fue con un gobierno bastante reaccionario, un gobierno que no fue capaz de felicitarme.

Grafiti de consenso. Álex y un grupo de jóvenes ofrecerán a los comerciantes de Amposta pintar sus cierres. La idea forma parte del proyecto Más Joven, implantado en seis barrios de Madrid y dirigido a ciudadanos de 14  a 30 años.

¿En qué consiste el proyecto?

El proyecto Más Joven, que está implantado en varios barrios de Madrid, y aquí en concreto en el de Amposta, trabaja por la participación y asociacionismo  juvenil, con personas de 14 a 30 años. Pretendemos ser un foco de creación de proyectos con intereses comunes que dé un servicio al barrio. Tiene prevista una duración de un año. Para ponerlo en marcha escucharemos a la gente del barrio y a partir de ahí empezaremos a construir. Tiene varias ramificaciones. Una  de ellas es pintar los cierres de los comercios, algo que se hará con el consentimiento de los dueños. Es una forma de dar color al barrio.

¿Cómo se lleva a la práctica?

Se trata de hablar con los comerciantes y entender qué es lo que quieren expresar cuando su negocio está cerrado y en qué nos pueden ayudar a nosotros también para formar el barrio para que las cosas tengan una calidad artística y no veamos siempre lo mismo, con los edificios del mismo color. Por el ejemplo, si un carnicero quiere diseñar el cierre de su tienda, hablaríamos con él, veríamos que inquietudes tiene y dentro de nuestras posibilidades artísticas, porque claro, todo no es posible, le haríamos el trabajo.

¿Por qué es necesario?

Es muy necesario difundir la cultura y el arte entre la gente joven y los niños. Tenemos tanta información que los niños no la crean. Queremos que creen su propio arte. También se fomenta la cohesión entre la gente mayor y la joven. En definitiva, dar color al barrio y a tu tienda. La intención es favorecer artísticamente el comercio y artísticamente el barrio.

Cualquier gamberro puede ir a tu establecimiento y pintar lo que se le ocurra. Nosotros vamos, hablamos con el dueño, conocemos lo que quiere  y le damos forma a lo que se nos pide. De igual forma que un comercio tiene un logo identificativo, también es bueno que tenga un diseño de un cierre. También se evita que venga uno cualquiera y plasme un grafiti que no le guste al dueño de la tienda. Hay que tener en cuenta que hay un respeto entre grafiteros. Si hay uno hecho, no se suele poner nada encima.

¿Os consideráis artistas?

Si claro. Empiezas con un bote a pintar pero luego te das cuenta que con ese bote puedes hacer cosas que queden muy bien. Vas a un muro que esté abandonado y haces una cosa que está bien.