Cultura

Eduardo Guerrero presentó los días 11 y 12 de agosto su espectáculo ‘Guerrero’ en el Patio Central del Centro Cultural Conde Duque de Madrid, dentro del festival Veranos de la Villa 2023

El bailaor gaditano Eduardo Guerrero (Cádiz, 1983) presentó Guerrero en Madrid, una pieza que había sido Premio del Público del Festival de Jerez en 2017 y que giró hasta el Teatro Mayor de Bogotá, Colombia, ese mismo año, y cuyo pretexto narrativo, que juega con su polisémico apellido, es su relación con las mujeres (abuela, madre, amantes y amigas).

El escenario es una suerte de cuadrilátero liminal de pasional combate donde, desde una posición primigenia, que juega con las mitologías en torno a la masculinidad del guerrero, se visibilizan las intestinas luchas internas que se dan en las relaciones entre géneros y sexos, pero cuya ampliación del campo de batalla rompe hegemonías y llega a espacios de convivencia, entre la sentimentalidad y la sensualidad, sin mayores daños colaterales, tensiones o traumas.

«La mejor victoria es vencer sin combatir», como escribió en el siglo cuarto antes de Cristo el general chino Sun Tzu en su famoso libro de estrategia militar “El arte de la Guerra”. Es una enseñanza fácilmente extrapolable a la vida, como la lucha por antonomasia y a las emociones como el espacio de combate cotidiano: “Si conoces a los demás y te conoces a ti mismo, ni en cien batallas correrás peligro; si no conoces a los demás, pero te conoces a ti mismo, perderás una batalla y ganarás otra; si no conoces a los demás ni te conoces a ti mismo, correrás peligro en cada batalla”. El arte de la guerra convertido en arte del baile flamenco.

Este espacio escénico de la contienda es interpretado con ambición, magnetismo y exuberancia física y técnica por el “general” Guerrero, acompañado por la presencia especial de Pasión Vega como artista invitada y formado por un ejército al cante y toque: Los poderosos y esenciales cantes de las inmensas gaditanas Pilar Sierra Villar (“La Gineta”), Anabel Rivera y Samara Montañez Romero, arropadas por las virtuosas guitarras ambientales de Javier Ibáñez y el joven Benito Bernal, nombres ya habituales en anteriores espectáculos de Guerrero (“Origen” o “Sombra Efímera”, entre otros), con quienes también sigue compartiendo numerosas noches de tablao en la Catedral madrileña del flamenco que sigue siendo El Corral de la Morería.

Las músicas y letras populares, así como la dirección musical, son también autoría del soberbio Javier Ibáñez, junto al también brillante tocaor y compositor Juan José Alba. Juntos recorren, a través de seis grandes bloques estructurales narrativos (Prefacio, Melancolía, Desamor, Vida, Verdades, mentiras y silencio y Aires de Sal), una completa antología de piezas populares, desde la saeta de arranque hasta el cuplé por bulerías final, atravesando un amplísimo abanico de estilos y palos flamencos: malagueñas, fandangos, rondeñas, verdiales, granaínas, bulerías por soleá, polos, nanas, seguiriyas, serranas, tangos, zambras y alegrías.

La escenografía, bajo la coordinación artística de María Torrejón, es escrupulosamente minimalista, y la iluminación y el color de Antonio Valiente lo es (casi) todo, a excepción de las prendas que cuelgan al fondo del proscenio y las sillas de enea sobre las cuerdas que sirven de símil con las relaciones del bailaor con “sus” mujeres.

Mención también al sofisticado patronaje del vestuario escénico, de líneas y corte contemporáneos diseñado por Tere Torres desde su Taller gaditano Torres Cosano, con el protagonismo absoluto de un negro que pareciera extraído del universo femenino lorquiano.

Guerrero se va poco a poco desposeyendo, despojándose primero de la casaca estructurada del guerrero mitológico, libertando después su estricto moño japonés y finalmente desnudando el torso, ostentando su esbelto y elástico cuerpo “de baile”, casi infinito, tan dotado para la danza y tan perfecto para el jondo, con sus largos braceos y poderosos taconeos, en una metáfora de desnudez emocional y desconstrucción de la guerra de los sexos.

Quien conociera el exigente trabajo coreográfico y de baile de Guerrero, sabía de la exhibición de su técnica depurada y enérgica visceralidad, diríase rabiosa, de su torsión al límite de lo imaginable, los giros veloces y las pausas milimétricas, los golpes y plantás dominantes y las poses geométricas, tan picassianas y angulares.

Si tienen la oportunidad de ver cabalgar de nuevo el duende de este guerrero, entre la ortodoxia tradicional flamenca y la heterogenia contemporánea de la danza, no se pierdan su cincelado rostro, su flexible cuerpo, así como su capacidad y fuerza física protagónicas. Un Guerrero brutal, radical y siempre apabullante.

Mónica F. Ferreras

La actriz catalana entusiasmó al público congregado en el Centro Cultural Antonio Machado con “La voz de su ama”. Un espectáculo de poesía y canciones basado en trabajos realizados por mujeres.  Tras su actuación Página del Distrito habló con la polifacética artista, que se mostraba muy satisfecha por la acogida recibida.

De qué trata “La voz de su ama”?

Fue una invitación de Ignacio García director de teatro, que inició unos ciclos de cultura, lenguaje y música en La Rioja, que se llamaban Voces de la Lengua. Trabajé con él hace cuatro años en la obra “24 horas en la vida de una mujer”, me invitó a participar y acepté encantada. En estos ciclos han participado artistas muy importantes como Carlos Hipólito, Manuela Velasco o Pepe Viyuela.

En esta oportunidad quise hacer algo que diese voz a la mujer, y de ahí surge el título de “La voz de su ama”, un recital de poesía hecho por mujeres desde el siglo XVI hasta nuestros días y en el que se habla de la ausencia de libertad en las mujeres. Incluso he incluido una creación mía, que hace referencia al cuadro “Las Planchadoras de Picasso”.

En este espectáculo estoy acompañada de Jorge Naranjo “Yorch”,  músico sevillano que con su guitarra da sentido a los poemas que recito y también canta un par de temas.

En su larga trayectoria artística ha sido presentadora, actriz, cantante. ¿Con que genero se identifica más?

Hace bastante tiempo dejé aparcada mi faceta de presentadora. Me quedo con ser una actriz que canta y que también produce. En definitiva todo lo que tenga que ver con la interpretación. Quiero desarrollarme principalmente como actriz, aunque siempre he procurado no encasillarme en un género y ser muy polifacética.

¿Actualmente también está embarcada en un proyecto musical?

Así es. Hace siete meses que estrenamos un nuevo proyecto musical llamado “Blues and Roots”,  con el que hemos recorrido diferentes salas de Madrid como Café Central, Clamores o Galileo Galilei. Tuvimos también la oportunidad de actuar en la Puerta del Sol con motivo de las fiestas del 2 de mayo. Próximamente tenemos previstas diferentes actuaciones por la Comunidad de Madrid. El 1 de julio en Torrelaguna, el 2 de julio en Perales de Tajuña y el 12 de agosto en Parla

¿Cuál es su mejor virtud?

Está mal que yo lo diga, pero creo que la constancia y el empeño en todo lo que realizo. La capacidad de ilusionarme con cada nuevo proyecto.

Silvia Marsó:
“Siempre he querido no quedarme encasillada en un género concreto y ser muy polifacética”.

¿Su peor defecto?

Que soy demasiado perfeccionista. Me gusta que todo lo que hago esté muy bien hecho. Los que están a mi lado, lo saben e intentan dar lo mejor de cada uno.

¿Qué aficiones practica en su tiempo libre?

Muchas cosas. Me gusta la montaña, la natación, el pilates, el yoga. También pintar y sobre todo escribir. Me conectan con mi vida interior y me desconectan de la vida cotidiana.

¿Cómo está el momento actual del teatro?

Siempre se dice que el teatro está en crisis, pero nada mas lejos de la realidad. El teatro tiene la particularidad, de que siempre es en directo y la gente no prescinde de ir a presenciarlo. Esto no pasa en otros ámbitos como el cine, que se puede ver en cualquier plataforma desde casa. A quién le gusta, siempre irá al teatro porque el teatro nunca morirá.

¿Cuáles son los próximos proyectos?

Estoy acabando “La Florida”,   un espectáculo escrito y dirigido por Víctor Sánchez Rodríguez, que se estrenó en Las Naves del Español durante el pasado mes de diciembre y en el que estamos ofreciendo las últimas actuaciones por diferentes puntos de nuestro país. El proyecto de “Blues and Roots”, será en el que más tiempo invertiremos este año.

¿Cómo se ha sentido actuando en el CC Antonio Machado?

Es un lugar que conozco y en el que tenía muchas ganas de actuar. Hace unos años me ofrecieron la oportunidad de ensayar una obra aquí, pero nos ofrecieron estrenar en el Teatro de la Abadía y finalmente nos trasladamos allí. Tenía una pequeña espinita clavada y he conseguido quitármela. Me he sentido muy a gusto y agradecida a todo el público asistente por el gran cariño y acogida dispensada.

Dentro del programa 21 Distritos, el grupo Hafa Afrosweet se presentó en el Centro Cultural Antonio Machado, con un espectáculo plagado de arte, ritmo y buen hacer musical. Siete mujeres procedentes de diferentes formaciones musicales (Alamedadosoulna, Amparanoia, Goymamba, The Clams, Tongo, Wazangu y Criaturas del Aire) forman el grupo Hafa Afrosweet. Tras su actuación  pudimos charlar con sus componentes. 

¿Cómo surgió la idea de formar un grupo con siete mujeres que procedéis de diferentes formaciones musicales?

Queríamos probar a hacer afrobeat, un estilo poco interpretado por mujeres y aportar cada una sus influencias a esta nueva mezcla .

¿Quienes integráis Hafa Afrosweet? 

Marina Blanot, voz; Laura Nadal, teclado; Elena Castello, guitarra; Ana Morga, percusión; Sara González, batería; Belén Martín, saxo e Inma Claudio, bajo .

Siendo siete componentes ¿Cómo es la interrelación entre vosotras?

Nos llevamos genial y para nosotras es una riqueza ser tan diferentes, a veces cuesta coincidir todas porque participamos en otros proyectos, pero siempre intentamos priorizar a HAFA .

El grupo se fundó a finales del 2017 ¿Desde entonces hasta ahora como ha sido vuestra evolución?

Empezamos a tocar en el local sin ninguna pretensión, sólo probar cosas nuevas y después de un tiempo nos dimos cuenta que sonaba muy bien lo que hacíamos y decidimos componer temas originales nuestros, después grabamos un E.P. de 5 canciones y empezábamos a coger fuerza en las salas y eventos donde tocábamos, la pandemia ralentizó un poco el proceso pero después seguimos con más ilusión y hemos participado en varios festivales y en la gira G.P.S del INAEM, recientemente hemos empezado a trabajar con una agencia de contratación y ya vamos viendo los frutos de que una oficina se ponga al frente de la gestión de los conciertos y la promoción del grupo.

¿Cómo podemos definir musicalmente vuestra formación?

Pues nos hemos inventado una palabra, afrosweet, que viene a decir que nos inspiramos en bases rítmicas y armonías africanas y lo fusionamos con reggae, funk, soul, pop latino…

Aunque vuestro repertorio es bastante extenso en diferentes géneros musicales ¿Con cuál de ellos os sentís mas identificadas?  

Con cualquiera que nos permita bailar, emocionarnos y contar nuestro mensaje .

¿En que momento está el panorama musical en nuestro país y particularmente en una banda totalmente femenina? 

Pues nos gustaría tener más representatividad en los festivales más conocidos en los que sigue habiendo bandas compuestas por hombres, principalmente, que los programadores confíen más en nosotras .

¿Se puede vivir dignamente en el mundo de la música? 

Actualmente, casi todas las componentes del grupo compaginamos el trabajo en HAFA con otros proyectos musicales, clases de música o tareas relacionadas con la música y la cultura, pero hay épocas más flojas en las que se hace difícil mantenerse .

¿Cuales son los próximos proyectos en mente?

Queremos grabar un nuevo E.P. con canciones nuevas, más videoclips y estamos proyectando a salir a tocar fuera de España, Europa, América y por supuesto África .

¿Cómo os acogido el público en vuestra actuación?

Creo que han disfrutado con nuestras canciones. Al principio ha costado un poco, pero conforme ha ido avanzando el concierto han comenzado a interactuar con nosotros y a bailar. Estamos muy satisfechas con la acogida del público.

Por segundo año consecutivo, el Centro Cultural Antonio Machado fue el escenario del festival de Raíz Flamenca. Durante cuatro días, artistas de la talla de Ezequiel Benítez, Marina Collado, Carlos Chamorro, María Sánchez o María Terremoto demostraron su arte y deleitaron a los numerosos aficionados que acudieron a sus actuaciones. 

El festival promovido por la Junta de Distrito de San Blas-Canillejas ha servido para poder disfrutar de diferentes figuras del flamenco más actual. El cantaor jerezano Ezequiel Benítez fue el encargado de abrir el festival. Su fuerza, inteligencia y sabiduría hacen que el artista domine cualquiera de los palos que interprete asumiendo los riesgos que solo los grandes cantaores son capaces de asumir.  Su último álbum Dukkha editado hace unos meses está compuesto por nueve temas y su título hace referencia al término sánscrito, perteneciente a la lengua clásica de la India de donde procede.

En la segunda jornada pudimos presenciar la actuación de la compañía de Mariana Collado y Carlos Chamorro, en la que la confluencia de cinco artistas en escena da lugar a una propuesta donde la danza brilla con el sabor del danzón, lo ecléctico de lo electrónico, la eternidad del metal, lo tradicional del flamenco, lo espontáneo del folklore, todo ello resurge en una banda sonora fresca e innovadora llena de riquezas culturales.

María Sánchez fue la protagonista del tercer día del ciclo. Esta mezcla de referentes y de estilos musicales es la base de su repertorio, que sin duda sorprendió gratamente a todos los espectadores que se dieron cita para presencias su actuación. Partiendo del flamenco orbita en torno a otros géneros, se mantiene la voz clásica, con un cante antiguo y tradicional, mientras explora sonidos urbanos contemporáneos. Es una de las interpretes jóvenes mas seguidas consiguiendo millones de descargas de sus temas en las plataformas digitales.

María Terremoto hace honor a su nombre

Faltaba la guinda al festival y sin lugar a duda, María Terremoto no defraudó ni un ápice. Se trata de una artista que con su arte y saber estar sobre el escenario llega donde quiere, no hay limites para ella. En la actualidad con solo 23 años) hace tiempo que dejó de ser una joven promesa para convertirse en una de la principales figuras del momento. Descendiente de una saga de artistas (su padre Fernando Terremoto y su abuelo, Terremoto de Jerez) va del cante a los ritmos que vinieron del otro lado del atlántico como el jazz o el blues haciendo que su nombre se agigante día tras día en el universo artístico. Acompañada por Nono Jero en la guitarra, Paco Vega en la percusión y Manuel Cantarote y Juan Diego Valencia en las palmas hizo disfrutar al numeroso público que acudió a presenciar el colofón de este festival que estuvo presentado por María Larroca y Elvira López Hidalgo.