Por tercer año consecutivo el San Jazz organizado por la Junta Municipal de Distrito presentó una nueva entrega del festival Las Noches de San Jazz, que ha consolidado la definitiva vinculación a la celebración del solsticio de verano. La III edición mantuvo el espíritu original del festival, que busca dar a conocer y compartir el arte y la profesionalidad de grandes bandas que hacen de su música un lenguaje universal y directo, capaz de transmitir emociones y sentimientos que otros sistemas de comunicación difícilmente consiguen. En esta ocasión, la dualidad ritmo y sentimiento que se presentó en la edición anterior de la mano del funk y del soul, se ha extendido a otros dos grandes estilos, el swing y el blues.
Si hay un género vinculado al sentimiento, ése es el Blues. Nacido en USA como vehículo de desahogo del dolor y la opresión de los esclavos africanos en las plantaciones de algodón, el blues se considera el primer estilo musical americano de origen africano. Su fuerza y popularidad le ha llevado a ser fundamental en el desarrollo del Jazz y le ha permitido fusionarse y evolucionar con estilos tan diversos como el rock, el funk e incluso el flamenco. En esta noche dedicada al blues contamos con la presencia de tres grandes grupos nacionales de proyección internacional.
GABY JOGEIX. Nacido en Bilbao y residente en Madrid, Gaby Jogeix es un virtuoso guitarrista, maestro de la lap steel guitar, entregado cantante y extraordinario compositor que ha sabido rodearse de grandes músicos en sus producciones discográficas. Sus directos transmiten una energía arrolladora y sus solos de guitarra no dejarán a nadie indiferente.
SUSAN SANTOS. Probablemente la gran dama del blues de nuestro país. De origen extremeño y también afincada en Madrid, Susan Santos es una carismática guitarrista zurda con una potente voz, capaz de transmitir sus sentimientos a través de composiciones originales llenas de fuerza y emoción. Con cinco discos a sus espaldas y una reconocida y galardonada trayectoria, que le ha permitido recorrer diversos países europeos y americanos, ver a Susan sobre el escenario promete ser una experiencia inolvidable.
VARGAS BLUES BAND. Javier Vargas, fundador y alma de la Vargas Blues Band, es sin duda el mayor exponente del blues nacional. Con una dilatada y exitosa trayectoria profesional, que incluye más de una veintena de discos originales y colaboraciones con músicos de la talla de Carlos Santana o Prince, Javier Vargas es el auténtico Rey del Blues Latino, título de su último larga duración que podremos disfrutar intensamente a lo largo del concierto que culminará nuestra «Noche del Blues».
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Si hay un ritmo contagioso que invita a dejarse llevar y compartir la alegría festiva del movimiento, ése es el Swing. Nacido en Estados Unidos en la década de los años 20, esta variante del Jazz ganó rápidamente popularidad y se extendió con facilidad por Europa acompañado de divertidos estilos de baile. En la noche que dedicamos al swing, tendremos la oportunidad de bailar al ritmo que marcarán nuestros grupos invitados.
Javier Vargas
THE DIXIELITES. Fusionando la música Dixieland con los divertidos ritmos del Ska, esta banda madrileña, a la que ya tuvimos oportunidad de conocer en nuestra pasada edición, nos proporcionará el ambiente adecuado para calentar motores y disfrutar de una noche inolvidable. Si os supo a poco su actuación del verano pasado, ahora tenéis la oportunidad de resarciros. Y si no pudisteis experimentarlo, no esperéis a que os lo cuenten.
THE TROUPER’S SWING BAND. Con un directo arrollador, esta alegre banda alicantina, liderada por el carismático cantante Gaby Soñer, mantendrá y reavivará el fuego rítmico iniciado por sus predecesores. Su puesta en escena es divertida y contagiosa, alternando temas propios con adaptaciones al castellano de clásicos del swing y del rockabilly.
MANOUCHE. Como colofón a esta gran noche dedicada al ritmo en base de swing, hemos querido traer a una gran banda de electro-swing procedente de Liubliana, Eslovenia. Liderada por el guitarrista y cantante Robi Pikl, e inspirados en el swing gitano de Django Reinhardt que les da nombre (Manouche), fusionan los ritmos clásicos del swing francés de los años 30 con ritmos electrónicos, generando un producto bailable altamente adictivo.
A través de material exclusivo en 65mm facilitado por la NASA y filmado hasta en 8K para la producción de esta película, descubre una visión hasta ahora inédita, de la misión Apolo 11 que llevó justo hace 50 años al ser humano a la Luna. Una gesta épica que unió a la humanidad.
Una película de TODD DOUGLAS MILLER — Duración: 93 minutos
Del director Todd Douglas Miller (“Dinosaur 13”) nos llega un acontecimiento cinematográfico que ha necesitado 15 años de producción. Elaborado a partir de un reciente hallazgo de metraje en 65mm, y más de 11.000 h de grabaciones de audio sin catalogar, APOLO 11 nos lleva directamente al corazón de la más celebrada misión de la NASA – la que llevo al hombre a la luna por primera vez, e hizo de Neil Armstrong y Buzz Aldrin auténticas celebridades. Inmerso en la perspectiva de los astronautas, del equipo del Control de la Misión y de millares de espectadores, experimentamos vívidamente la experiencia de aquellos días y horas trascendentales de 1969 cuando la humanidad dio salto de gigante hacia el futuro.
Miller y su equipo trabajaban estrechamente con la NASA y los Archivos Nacionales (NARA) para localizar todo el metraje existentes del Apolo XI cuando el personal de NARA hizo un gran descubrimiento que cambió el curso del proyecto: una colección no procesada de imágenes de gran formato en 65 mm, nunca antes vista por el público, con tomas impresionantes del lanzamiento, del interior del Control de Misión y de las actividades de recuperación y posteriores a la misión. El metraje fue tan original y el hallazgo tan significativo que el proyecto evolucionó más allá del cine y se convirtió en documento cinematográfico de preservación histórica
El otro hallazgo inesperado fue un caché masivo de grabaciones de audio, más de 11.000 horas, hecho por dos grabadoras personalizadas que capturaron pistas individuales de 60 personas claves de la misión. Los miembros del equipo de filmación de Apolo XI crearon un código para restaurar el audio y permitir que se pudieran hacer búsquedas, para posteriormente comenzar un proceso de varios años de escucha y documentación de las grabaciones. Un esfuerzo que produjo notables y nuevos conocimientos sobre los eventos claves de la misión, así como los sorprendentes momentos de humor y camaradería.
La digitalización de la colección de 65 mm, así como el re-escaneado de materiales de 16mm y 35 mm, se realizó en Final Frame, una casa de postproducción de la ciudad de Nueva York, que ayudó a crear un escáner personalizado, capaz de realizar un escaneo de alto rango dinámico en resoluciones de hasta 8K. La transferencia resultante, a partir de la cual se editó la película, es la colección digital de más alta resolución y calidad del Apolo XI existente.
APOLO 11, construido completamente a partir de materiales de archivo, captura la enormidad del evento al brindar a las audiencias de todas las edades la experiencia directa de estar allí. Cuando John F. Kennedy se comprometió en 1962 a poner a los estadounidenses en la luna para finales de la década, lo describió como un acto audaz de fe y de visión. APOLO 11 es testigo de la culminación de esa promesa, cuando Estados Unidos y el mundo se unieron en un extraordinario acto de unidad y audacia, para lograr una de las hazañas más grandes y complejas de la historia humana.
DECLARACIONES DEL DIRECTOR
La misión del Apolo 11 es uno de los más grandes logros en toda la historia de la humanidad: cientos de miles de personas desplegadas en decenas de millares de empresas, todas centradas en colocar a los primeros hombres en otro mundo.
En ocasiones, sentía como si nuestro film tuviera muchas partes emotivas. Lo que había comenzado como simple ejercicio de montaje –podíamos narrar toda la historia de la misión sólo con el uso de material de archivo– se convirtió en el esfuerzo colectivo de un equipo internacional de expertos para crear la obra definitiva acerca del APOLO 11 en pantalla grande. El extraordinario hallazgo de un alijo de película en gran formato y de grabaciones intactos añadió otra dimensión al proyecto: ahora era más que una película, era una oportunidad para cuidar y preservar este material histórico de valor incalculable.
Esta película sólo existe gracias a los tremendos esfuerzos y sacrificios de un grupo de personas de talento extraordinario. Desde los archivistas e investigadores a los equipos de postproducción y socios de la producción, todos han trabajado durante años para asegurar un resultado excelente.
También estamos en deuda con las decenas de guionistas, cineastas e investigadores que antes que nosotros elaboraron la guía del proyecto Apolo. Y humildemente damos las gracias a los astronautas, sus familias, los empleados de la NASA, los contratistas y voluntarios, muchos de los cuales alcanzamos a conocer a lo largo de la producción de esta película. Todos ellos nos recuerdan que se puede lograr grandes cosas cuando la gente se une para un objetivo común.
Todd Douglas Miller
Enero de 2019
UNA CONVERSACIÓN CON EL ASESOR HISTÓRICO ROBERT PEARLMAN
¿Qué es lo excepcional de esta película?
ROBERT PEARLMAN: Muchas obras se han dedicado al Apolo 11, la primera misión que permitió al hombre pisar la Luna, pero lo que hace esta película distinta es el hecho de que ésta es una historia que se está haciendo de nuevo—ha sido restaurado y escaneado por expertos y en la mayor resolución posible metraje nuevo que se desconocía, material nunca antes visto de lo que muchos consideran un logro supremo de la humanidad hasta ahora. Por primera vez en la historia, podemos verter una mirada e información nuevas acerca de cómo hicimos alunizar a unos hombres.
¿Qué hace tan especiales las imágenes de Apolo 11?
RP: La fuente original del material era en 70mm, que resulta el formato más ancho de película posible. El detalle que se percibe es considerable, por ejemplo en una escena que capta a los astronautas (Neil Armstrong, Buzz Aldrin y Michael Collins) mientras se visten para la misión. Sabíamos que esa escena se había rodado, pero cuando se mostró al público había sido recortada a 35mm con objeto de encajar en el resto del metraje disponible. Muchas escenas como ésta han sido ampliadas a widescreen, y las vemos en alta definición por primera vez. Para el público, ello se traduce en una sensación más visceral, próxima a estar allí, en la habitación con los astronautas mientras éstos se preparan en esa mañana de julio. Para los historiadores, es una oportunidad de ver el cuadro entero de cuanto estaba pasando aquel día, pues se ofrecen detalles que no estuvieron disponibles previamente.
¿Por qué no hemos podido acceder a este metraje durante todos estos años?
RP: El hecho de que esos nuevos rollos se descubrieran por casualidad en los Archivos Nacionales, próximos al quincuagésimo aniversario del alunizaje, lo convierte en un descubrimiento maravilloso que nos otorga la capacidad de celebrarlo con propiedad. En un primer momento, la NASA dejó el metraje en un almacén, pero con los años fue transferido a los Archivos Nacionales, donde más o medos quedó olvidado. Algo del mismo se dispuso para un documental que vio la luz en los setenta, pero una vez más fue recortado. Esto es la película original, tal como se tomó, y dado que la NASA no tenía los fondos o el interés para producir más material, quedó sin usar. Cincuenta años más tarde, la posibilidad de dar con material inédito se hacía cada vez más escasa si no imposible. Y debido a que es un acontecimiento tan famoso e icónico de la historia, uno estaba convencido de que todo el metraje del mismo ya se había descubierto.
En una película, el audio es tan poderoso como la imagen. ¿Qué se ha mejorado respecto a esto?
RP: Sabíamos que existía el audio del metraje; no se había perdido con los años como algo del material fílmico, pero sólo tuvimos acceso al mismo recientemente. Cuando los astronautas fueron a la Luna, hubo varios tracks de audio distintos, entre ellos conversaciones espacio-Tierra, la voz de los astronautas emitida a la Tierra, y la singular voz de los portavoces del Control de Misión en respuesta para los astronautas. Había otros tracks que se sabía existían no participados al público, entre ellos el bucle del director de vuelo, con todas las voces de las consolas del Control de Misión que hablaban con él. Además, había metraje con las voces de los astronautas desde el espacio así como los bucles de audio de la sala secundaria provenientes del Soporte de Misión. La NASA hizo públicas horas de este audio, y lo que este equipo cinematográfico ha hecho ha sido revisar el mismo, remasterizarlo y sincronizarlo con el metraje disponible. Por primera vez, se puede ver a los controladores de vuelo hablar desde el Control de Misión y, de hecho, escuchar lo que dicen porque el audio ha sido meticulosamente sincronizado con el correspondiente momento visual.
Hay metraje espectacular del americano medio observando el lanzamiento desde aparcamientos y playas de Florida. ¿Quién filmó ese material?
RP: Un equipo de filmación de la NASA captó un estimado millón de personas que aparecieron para ver el lanzamiento, el mayor gentío que haya aparecido nunca antes para un acontecimiento como éste. Fue el mismo equipo de cine que documentaba cómo los astronautas se preparaban para el lanzamiento con miras a un proyecto titulado Moonwalk One. Este equipo filmó las playas cercanas, los aparcamientos, así como las áreas de observación para VIPs y prensa. Si bien este metraje ya se había visto antes, lo fue con el encuadre recortado, en ocasiones dramáticamente, así que ahora vemos un encuadre mucho más amplio que nunca. Disponemos de un informe más completo de cuanto se rodó en el formato más ancho y con la mayor definición posible. Vemos más detalles que nunca antes. Por ejemplo, en una escena en el área de los VIPs, podemos localizar a gente como Johnny Carson y al escritor de ciencia-ficción Isaac Asimov, entre otros espectadores. Al observar el gentío fuera de un almacén de J.C.Penney y a lo largo de las playas, podemos ver cómo vestía la gente en aquel momento, qué coches conducían. Se llega a poder ver incluso el reflejo del lanzamiento en las gafas de sol de los espectadores mientras observan el cohete separase del suelo.
Buzz Aldrin
Los colores son extraordinarios en esas escenas. Parecen propios del clásico Kodachrome.
RP: Se experimenta una mezcla tremenda de sentimientos al observar estas escenas, que son casi hiperrealistas. En cierto modo, uno es consciente de estar viendo metraje de hace cincuenta años —rezuma esa sensación de época y tiempo pasados—, pero lo que es más apabullante es cómo luce aquella tecnología punta, como si se hubiera rodado con la cámara de mayor calidad que pueda encontrarse en la actualidad. Todos sabemos cómo va a terminar la secuencia del lanzamiento —sabemos que lograrán llegar a la Luna y que regresarán—, pero nos mantenemos por completo al borde de la butaca de nuevo porque da toda la impresión de ser un acontecimiento en vivo y en directo que se despliega en el presente. Parece algo enteramente nuevo, aunque sea el metraje histórico más célebre de todos los tiempos.
El núcleo de esta película es el alunizaje y el paseo lunar. ¿Hay algo nuevo que veamos por primera vez?
RP: Vemos esas escenas mostradas de un modo distinto. El metraje espacial no es nuevo, pero se trató como el resto del film. Se escaneó con la mayor resolución posible y se colocó en el contexto de una película que te atrae por medio de metraje de archivo existente, no a través de alguien que mira hacia atrás y describe cómo ocurrió. Muchos documentales han descrito el alunizaje y el paseo lunar haciendo uso de la narración o de bustos parlantes, un comentario contemporáneo que enmarca el metraje, lo que confiere la sensación de estar mirando la historia. Dado que esta película es cinema vérité, se está mirando material de archivo que en sí mismo narra la historia con aproximación al tiempo real, la sensación es como estar mirándola desenvolverse por vez primera.
En su calidad de historiador de la NASA, ¿cuáles son los aspectos más excitantes de esta película?
RP: Al haber trabajado con muchos cineastas a lo largo de los años en proyectos distintos, he tenido que recurrir a gente que analizara antes la veracidad del material que se afirmaba inédito; puede que el público en general no hubiera visto el metraje, pero muchos otros sí. Por primera vez, estamos ante un metraje auténtico que no hemos visto antes, así que el descubrimiento en sí ya es excitante. Añada a ello lo último en tecnología cinematográfica y la capacidad para presentar este metraje en alta resolución y formato grande, resulta pasmoso en pantalla grande, su presentación en este gran formato resulta casi increíble. Sólo con poder devolver a la vida la Misión y verla en una escala tan enorme probablemente sea el factor más excitante para mí.
¿Cuáles son algunas de las escenas que usted ha contemplado por primera vez?
RP: El escaneo de las hileras dentro del centro de control del lanzamiento, estar con los astronautas en la habitación donde se ponen los trajes espaciales, la captación de una perspectiva más audible y más amplia de la Misión, el Centro de Control durante el lanzamiento, estar a bordo del U.S.S. Hornet (la embarcación de rescate) cuando los astronautas regresan de la misión: se alcanza a localizar a Nixon entre la gente. Tenemos documentación fotográfica de estos aspectos de la misión, y película en 16mm tomada desde varios puntos estratégicos, pero el hecho de estar viendo esto desde una nueva perspectiva, con nuevos detalles que captar en un encuadre mucho más amplio, con una resolución superior… éstos son los momentos que uno anhela en una película como ésta. Esta misión estuvo muy bien documentada, pero ahora se tiene la oportunidad de identificar detalles que explican una historia totalmente nueva.
¿Por qué fue tan importante el lanzamiento del Apolo 11 en su contexto histórico?
RP: La carrera por llegar a la Luna se desplegó en lo que resultó una tormenta perfecta de acontecimientos a finales de los años 60. Si no hubieran ocurrido todos esos acontecimientos, probablemente jamás habríamos llegado a la Luna. No fuimos porque estuviéramos interesados en el satélite a nivel científico, fuimos porque estábamos en Guerra Fría contra la Unión Soviética, y era la prueba de nuestra pericia tecnológica poder enviar a alguien a la Luna; podría haberse desarrollado de otro modo si esto hubiera pasado en tiempo de paz. Esto fue el logro supremo de una carrera entre dos poderes mundiales que luchaban entre sí de un modo en que de hecho nadie resultara herido. Desde un punto de vista cultural, la Luna ha sido símbolo de muchas cosas distintas para la humanidad, siempre ha sido ese mundo inalcanzable, y nos alienta la idea de que si podemos enviar a un hombre a la Luna, somos capaces de cualquier cosa. En el marco temporal en que ocurrió, incluso con el telón de fondo de la Guerra Fría, puede que tampoco hubiéramos llegado allí de no ser por el desafortunado asesinato de John F. Kennedy, quien no era un gran partidario de ir al satélite. Lo veía como una necesidad política para derrotar a los rusos. Casi desde el momento en que anunció la carrera espacial, trabajó entre bastidores tratando de dar con un modo de salir de esto; llegó a pedir asociarse con los soviéticos.
Cuando fue asesinado, se convirtió en la visión y la meta de un héroe caído, algo intocable desde el punto de vista político porque habría sido como atropellar el legado de un presidente caído. Era la culminación de un objetivo expuesto por alguien que los americanos, y el mundo, respetaban. Si va a recordarse algo del siglo XX, será el hecho de que pusimos el primer pie en otro cuerpo celeste, porque ése es el futuro de la humanidad, la promesa de ir más allá. El Apolo 11 fue sólo el primer paso.
Cincuenta años después, ¿dónde estamos por lo que se refiere al programa espacial?
RP: Hemos cambiado el foco. Nuestras visiones iniciales acerca de cómo ir al espacio no consistían en ir directamente a la Luna, tenía que ver con lo que vino después, que fue el establecimiento de una lanzadera y una estación espaciales, para luego situarnos nosotros en órbita e ir incluso más lejos. Pero una confluencia de acontecimientos cambió nuestras prioridades. No hemos vuelto a la Luna desde 1972, tras el sexto alunizaje, pero estamos a punto de regresar, aunque no como naciones diferenciadas sino en misiones privadas. Hemos llegado al punto en que hay compañías que construyen los cohetes que llevarán a clientes privados a la Luna. Países como China están enviando rovers a la cara oculta del satélite, donde nadie se ha aventurado antes, tan recientemente como enero de 2019. Este mismo año, el primer módulo de aterrizaje israelí será lanzado desde el Centro Espacial John F. Kennedy, aquí en los Estados Unidos. Así que asistimos a un renacer lunar en el sentido de que hay más y más países y organizaciones que envían misiones a la Luna. Entretanto, la NASA prevé enviar astronautas en los próximos años de vuelta a la órbita lunar en cooperación con sus socios europeos, canadienses, rusos y japoneses con la intención de apuntar a Marte. Tras cincuenta años, nos hallamos ante nuevas encrucijadas que estamos preparados para afrontar más allá de banderas y huellas, hacia asentamientos lunares más permanentes. Pronto dispondremos de una presencia más duradera allí, estamos empujando hacia el Sistema Solar con el objetivo de tener siempre a humanos que exploren el espacio.
BIOGRAFÍA DEL DIRECTOR
TODD DOUGLAS MILLER – DIRECTOR, PRODUCTOR, MONTADOR
Todd Douglas Miller
Todd Miller resulta más conocido por Dinosaur 13, cinta ganadora del Emmy que tuvo su première en el Festival de Sundance de 2014. Entre sus otras películas, hallamos Gahanna Bill, Scaring the Fish, y The Last Steps. Es el fundador y copropietario de Statement Pictures, con sede en en Brooklyn, Nueva York, que produce largos y documentales así como películas IMAX de gran formato para centros científicos y museos. Nació en Columbus, Ohio, y vive en Brooklyn, Nueva York, con su esposa y tres hijos.
BIOGRAFÍAS DE LOS ASTRONAUTAS Y DEL EQUIPO DE LA NASA
BUZZ ALDRIN
Buzz Aldrin (Edwin E. Aldrin, Jr.), uno de los primeros hombres en alunizar, nació en Montclair, Nueva Jersey, el 20 de enero de 1930. Aldrin asistió a la Academia Militar de West Point e ingresó en la Fuerza Aérea de los Estados Unidos. Voló en sesenta y seis misiones de combate en Corea y, tras un periodo de servicio en Alemania, se dispuso a obtener su Doctorado en Ciencias con especialización en Astronáutica en el Instituto de Tecnología de Massachusetts (MIT), en el que escribió su tesis sobre encuentros orbitales.
Buzz Aldrin
Aldrin se hizo astronauta en el tercer grupo de la NASA en octubre de 1963. El 11 de noviembre de 1966, orbitó la Tierra con James Lovell en la astronave Gemini 12 y efectuó con éxito la primera actividad extravehicular (un paseo espacial) de esta misión, que concluyó el programa Gemini.
Como piloto del módulo lunar del Apolo 11, Aldrin se unió a Neil Armstrong en la consecución del primer alunizaje y de la primera exploración humana de la superficie lunar, el 20 de julio de 1969.
En 1971, Aldrin abandonó la NASA, y un año después se retiró de la Fuerza Aérea con el rango de coronel. Autodefiniéndose como “representante de todos los Estados en el espacio”, Aldrin se ha dedicado desde entonces a abogar por la exploración humana del espacio. Ha escrito diez libros (entre ellos, cuatro sobre sus experiencias en la Luna), y fundó la ShareSpace Foundation y el Instituto del Espacio Aldrin en el Instituto de Tecnología de Florida.
Aldrin también concibió el “Aldrin Mars Cycler,” un sistema de astronaves que orbitan perpetua y cíclicamente entre la Tierra y Marte. Ha obtenido tres patentes de Estados Unidos respectivamente por sus esquemas de estación espacial modular, cohetes reusables y módulos multitripulación para viajes espaciales. Actualmente, ejerce en el Grupo Asesor de Usuarios para el Consejo Nacional del Espacio.
NEIL ARMSTRONG
Neil Alden Armstrong, el primer humano en pisar la Luna, nació en Wapakoneta, Ohio, el 5 de agosto de 1930. Tras servir como aviador naval de 1949 a 1952, Armstrong se incorporó al Comité Asesor Nacional para la Aeronáutica (NACA), en 1955. Su primer encargo fue en el Centro de Investigación Lewis (ahora NASA Glenn), en Cleveland, Ohio. A lo largo de los siguientes diecisiete años, fue ingeniero, piloto de pruebas, astronauta y administrador para el NACA y su agencia sucesora, la Administración Nacional de la Aeronáutica y del Espacio (NASA).
Neil Armstrong
Como piloto de pruebas en el Centro de Investigaciones de Vuelo de la NASA, en la Base de la Fuerza Aérea Edwards, California, Armstrong fue piloto de proyecto en muchas aeronaves pioneras de alta velocidad, entre ellas el avión cohete X-15. Voló en más de doscientos modelos distintos de aeronave, entre ellos, aviones a reacción, cohetes, helicópteros y planeadores.
Armstrong resultó elegido para el segundo grupo de astronautas de la NASA en 1962. Su primer encargo fue como piloto al mando del Gemini 8. Lanzado el 16 de marzo de 1966, Armstrong y David Scott efectuaron el primer atraque exitoso de dos vehículos en el espacio.
Como comandante de astronave para el Apolo 11, la primera misión de alunizaje con tripulación, Armstrong fue la primera persona en posar una nave sobre la Luna, y en ser el primero en poner el pie sobre su superficie.
Más tarde fue Administrador Asociado para Aeronáutica en el Cuartel General de la NASA, en Washington, D.C. Con este cargo, fue responsable de la coordinación y manejo de todo el trabajo tecnológico e investigación de la NASA vinculado a la aeronáutica. Dejó la NASA en 1971 para ejercer como profesor de ingeniera aeroespacial en la Universidad de Cincinnati. De 1982 a 1992, Armstrong fue el presidente de Computing Technologies for Aviation, Inc., en Charlottesville, Virginia.
Obtuvo una licenciatura en Ciencias en la especialidad de ingeniería aeronáutica por la Universidad de Purdue, y un Master de Ciencia en la misma especialidad por la Universidad de California del Sur. Tuvo Doctorados Honoris Causa por cierto número de Universidades. Armstrong murió el 25 de agosto de 2012 debido a complicaciones cardiovasculares. Contaba ochenta y dos años.
MICHAEL COLLINS
Michael Collins, que se mantuvo en órbita alrededor de la Luna durante el primer alunizaje con tripulación, nació el 31 de octubre de 1930 en Roma, Italia. Collins estudió en la Academia Militar de West Point, Nueva York, donde obtuvo su licenciatura en Ciencias. Antes de incorporarse a la NASA, Collins ejerció como piloto de combate y como piloto de pruebas en el Centro de Vuelo de la Fuerza Aérea de los Estados Unidos, en la Base de la Fuerza Aérea Edwards, California. De 1959 a 1963, registró más de cuatro mil doscientas horas de vuelo.
Michael Collins
Collins se incorporó a la NASA en el tercer grupo en octubre de 1963. Ejerció primero como piloto en la misión del Gemini 10, lanzado el 18 de julio de 1966; estableció un nuevo récord mundial de altitud junto a su compañero John Young, y fue el tercer caminante espacial de los Estados Unidos que completó dos actividades extravehiculares.
Como piloto comandante del módulo del Apolo 11, Collins permaneció en órbita alrededor de la Luna a bordo de la astronave “Columbia,» mientras Neil Armstrong y Buzz Aldrin fueron las primeras personas que caminaron sobre el satélite en julio de 1969.
En enero de 1970, Collins abandonó la NASA para ejercer como Ayudante del Secretario de Estado para Asuntos Públicos. Un año más tarde, se incorporó al Instituto Smithsoniano como primer director del Museo Nacional del Aire y el Espacio. El cargo lo hacía responsable de la construcción del nuevo edificio del museo, que abrió al público en julio de 1976. En abril de 1978, Collins se hizo Subsecretario del Instituto Smithsoniano .
En 1980, fue nombrado vicepresidente de la LTV Aerospace and Defense Company, de la que dimitió en 1985 para fundar su propia empresa.
Collins ha escrito sobre sus experiencias en el programa espacial en varios libros, entre ellos “Carrying the Fire”, considerado ampliamente como las mejores memorias de un astronauta.
JOANN H. MORGAN
JoAnn H. Morgan (nacida el 4 de diciembre de 1940) fue la primera ingeniera en el Centro Espacial John F. Kennedy, y la única mujer que trabajaba en una consola en el Centro de Control para el lanzamiento del Apolo 11 el 16 de julio de 1969. Siguió como la primera mujer ejecutiva veterana en el Kennedy, y luego como subdirectora interina del centro.
EUGENE F. “GENE” KRANZ
Eugene F. “Gene” Kranz (nacido el 17 de agosto de 1933) ejerció como director de vuelo en el Control de Misión durante el alunizaje del Apolo 11. Segundo director de vuelo de la NASA, Kranz quizá sea más conocido por liderar desde el Control de Misión el retorno seguro de la tripulación del Apolo 13 después de que una explosión a medio camino de la Luna inutilizara la astronave.
CHARLIE M. DUKE JR.
Charles M. Duke, Jr. (nacido el 3 de octubre de 1935) ejerció como comunicador de cápsula (“CapCom”) en el Control de Misión durante el alunizaje del Apolo 11. Integrante del quinto grupo de astronautas de la NASA, Duke luego fue el décimo y más joven (hasta la fecha) en caminar sobre la Luna como piloto de módulo lunar del Apolo 16, en abril de 1972.
Las acuarelistas internacionales se han juntado para realizar una aproximación a la naturaleza manifestada en diferentes formas a través del color. Durante todo el mes de mayo se pudieron visionar las obras en el Centro Cultural Ciudad Pegaso. La obra conjunta de Inés Pecharromán y Maribel Cartas fue expuesta en el Centro Cultural Ciudad Pegaso el pasado mes de mayo.
Los caminos de ambas artistas se juntaron para realizar una exposición de cuadros que representan paisajes y lugares naturales y que han sido pintados sobre acuarelas desde una visión personal y un universo propio. El diálogo entre el agua y el pigmento unido a la gran virtud de la técnica y la experiencia y a la plasmación de sentimientos hacen que esta exposición sea una obra repleta de magia y calidad. Ambas artistas plasman y unifican su gran experiencia adquirida durante 20 años de Maribel Cartas en la profesión y 23 años en el caso de Inés Pecharromán.
Tanto Pecharromán como Cartas pertenecen a la Asociación Española de Acuarelistas (AEDA) desde hace casi dos décadas. En esta agrupación han realizado un aprendizaje exhaustivo sobre el mundo de las acuarelas donde los grandes maestros del país en este ámbito enseñaron a las artistas a manejar el arte de las acuarelas, una modalidad que resulta difícil de aprender. Inés Pecharromán reconoce que al principio hubo más impedimentos que facilidades: “Los inicios fueron difíciles pese a conocer otras técnicas de la pintura. El simple hecho de pintar sobre acuarelas son palabras mayores”. En la actualidad, Maribel Cartas forma parte de la Junta Directiva de AEDA desempeñando la sección de Eventos.
Uno de los principales objetivos de esta asociación es promover el desarrollo de la acuarela, su enseñanza, estudio e investigación. El número de socios que posee AEDA actualmente asciende a 400 personas. Desde que se constituyó la asociación hace 65 años, han pasado un total de 2.600 acuarelistas entre los que se encuentran Pecharromán y Cartas. Sus socios organizan anualmente exposiciones locales, provinciales, regionales, nacionales e internacionales. Desde AEDA, se dedican a la enseñanza de la acuarela, además de realizar cursos monográficos, organizar una multitud de conferencias y congresos y editar la revista periódica ACUARELIA.
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Larga trayectoria con experiencia y formación
Ambas acuarelistas cuentan con una larga y prestigiosa trayectoria. Han realizado exposiciones en Madrid, Cáceres e incluso Florencia traspasando de esta manera nuestras fronteras. Las dos reconocen su amor por la acuarela que fue descubierto hacia el año 2000 y juntas han realizado una exposición en honor a esa experiencia y formación adquiridas después de haber recibido clases y haber sacado a la luz el talento que llevan dentro.
Antes de llevar la obra al Centro Cultural Pegaso, las artistas mantuvieron varias charlas y encuentros con la directora del centro donde fueron madurando la idea de exponer esas obras de acuarela durante un mes en el barrio para que todos los vecinos pudieran presenciar la calidad de dos grandes acuarelistas.
La obra conjunta de Inés Pecharromán y Maribel Cartas fue expuesta en el Centro Cultural Ciudad Pegaso el pasado mes de mayo.
Maribel Cartas coincide con su compañera en que ha sido todo un orgullo trabajar juntas en esta exposición: “Ha sido muy fácil y gratificante. Se ha convertido en una oportunidad para mostrar y hacer partícipes de nuestra obra a personas amantes de la pintura”.
Inés Pecharromán y Maribel Cartas acercaron su visión del mundo de las acuarelas de una manera conjunta al Centro Cultural Ciudad Pegaso. Los visitantes al centro pudieron disfrutar de una exposición en donde se mezcla la experiencia y la naturaleza para dar lugar a un resultado excelente de dos pintoras de gran prestigio nacional e internacional.
La Mesa de Cultura de los Foros Locales de San Blas-Canillejas organizó un reparto gratuito con la entrega de más de 600 libros cedidos en la Biblioteca Municipal de Canillejas ubicada en la calle Boltaña y provenientes de colecciones particulares. Gran éxito de participación y afluencia de público juvenil que siempre es muy de agradecer en este tipo de iniciativas culturales.
Las creaciones del artista madrileño permanecieron expuestas al público de forma gratuita hasta el 31 de marzo. Entre las diferentes obras se pudieron visionar una gran diversidad de piezas publicitarias y estampas surrealistas.
Cinco años después de su fallecimiento, el Centro Cultural Pegaso le rinde tributo a su tímida trayectoria en el mundo artístico.
Pepe Garzón fue pintor, dibujante e ilustrador publicitario.
El artista de Lavapiés es considerado uno de los últimos bohemios castizos conocidos por portar capa española, sombrero de ala ancha y bastón. Su pintura surrealista hizo de Garzón un autor con fantasía. Cualquiera de sus obras contiene una selecta variedad de rasgos característicos del movimiento artístico que se originó en Francia en la primera mitad del siglo XX.
Todos los sueños son posibles en las obras de Garzón. El pintor no tenía pudor por plasmar la anatomía femenina y utilizaba la imaginación y el ingenio para hacer de sus obras, únicas y personales. Carmen, su máxima inspiración, aparece como una musa en las distintas creaciones del autor. La naturaleza se asocia con ella en algunas de las obras. El pintor fue representando todos aquellos momentos y sueños que serían imposibles para ella. Además, realizó pinturas para publicitar grandes marcas.
Desde muy pequeño, empezó a dibujar de forma autodidacta hasta que comenzó a especializarse en aquello que más le apasionaba. Realizó sus primeras colaboraciones en editoriales de prensa y revistas diseñando viñetas e ilustraciones publicitarias. La pintura artística le llamó mucho la atención, pero empezó en el ámbito profesional como publicista.
Trabajó en empresas como L’Oreal, Seat, John Deere, Westinghouse, Avis, Diario 16, entre otras, donde explotó todo su potencial tras haber pasado por la Escuela Central de Bellas Artes de San Fernando. Las diferentes agencias de publicidad le contrataron para diseñar los carteles de las diferentes marcas. En su faceta como ilustrador, utilizó técnicas tan complejas y distintas como el Scratch, la Plumilla, el Gouache, el Pastel o el Rotulador.
En la década de los 60, Pepe Garzón comenzó a extender su talento a otros campos como la estética y la belleza. La marca L’Oreal se hizo con sus servicios y trabajó en el departamento de diseño de la empresa. Realizó diseños de cortes y peinados femeninos. Incluso llegó a presentar bocetos de peluquería femenina en el campeonato mundial de México y en el europeo de España en 1969. En los años 70 y 80, trabajó en el mundo del editorial donde realizó publicaciones de diferente índole y temática: educativas, históricas, médicas, fascículos coleccionables, etc.
Entre finales de los 70 y principios de los 80, se empezó a dedicar también a aquello que más amaba, la pintura artística. El surrealismo predominó en toda su obra como pintor. La mujer y su belleza fueron el centro de su trabajo. La anatomía de las mujeres se enmarcaba en sus cuadros dentro de sitios mágicos e increíbles.
“Trazos Vivos” son obras son hiperrealistas de temática naturalistas pintadas a pastel sobre papel. El autor Daniel Castañón es un artista multifacético y autodidacta en el uso de los pasteles. Humilde, asegura que la vida es un aprendizaje constante y que la pintura le ha permitido transmitir sus sentimientos para alcanzar el hiperrealismo en sus obras y la cotidianeidad de la vida.
¿Cuándo fue la primera vez que empezaste a pintar?
Durante mi
infancia pintaba y me encantaba hacerlo. Pero dejé a un lado esta pasión
durante muchos años, desarrollando mi faceta artística en otros ámbitos, como
lo son la música, dedicándome a la composición de temas y la creación de dos
musicales. Pero en el 2013, impulsado por la idea recurrente de que de alguna
forma tenía que volver a pintar, retomé esta faceta artística.
¿Te formaste en alguna escuela de bellas artes?
Estuve
asistiendo un par de años a la academia de pintura de Guadalajara de Asun
Vicente Ríos, licenciada en Bellas Artes. Allí, rodeado tanto de niños como de
personas que en muchos casos casi me doblaban la edad, e impregnado por el amor
al arte que allí se respiraba, pude empezar a dar mis primeros pasos en la
pintura. Era una academia humilde, pero no me importaba porque lo que yo
buscaba era aprender y allí sin duda lo hice.
Pero posteriormente todo mi aprendizaje ha sido autodidacta. En muchos
de los casos, ha sido el “ensayo y error” y el asumir riesgos y retos lo que me
ha llevado a adquirir una buena técnica en el uso de los pasteles. Aún así cabe
decir que por supuesto, mis aspiraciones son ir evolucionando más y más siendo
consciente de que en esta disciplina, como en otras muchas, nunca se toca
techo.
¿Qué es el arte para ti?
El arte,
para mí, es como un aliado, un amigo; un canal generoso por el que puedo
expresarme. Y digo generoso, porque me devuelve mucho más de lo que yo le doy.
No encuentro mejor forma para expresarme y transmitir a los demás lo que
pienso, siento o cómo veo la vida.
¿En qué te inspiras y que sientes al dibujar?
Me inspiro
en la vida en sí. Da igual si es la mirada de un animal salvaje, o las curtidas
manos de un octogenario. En todo ello hay belleza y vida. Y eso es lo que
quiero plasmar. Más allá de lograr alcanzar el hiperrealismo en mis obras, mi
fin último es lograr captar y transmitir esa vida y esa esencia que se esconde
en lo maravillosamente cotidiano de la vida y de las personas y animales que
nos rodean.
¿Cómo es un día de trabajo para ti?
Más allá de
lo obvio, que es pintar, una jornada de trabajo en mi caso puede estar ocupado
de actividades tan variopintas como tener que realizar una sesión de fotos (que
luego me sirvan como inspiración para pintar) o pasear a través de un paraje
evocador para encontrar inspiración para nuevas obras y proyectos. Sin duda el
80 por ciento del tiempo lo invierto propiamente pintando; pero antes de cada
obra hay un gran tiempo invertido en extraer esas ideas que corren por mi mente
y buscar la forma de plasmarlas en mis dibujos.
¿Recuerdas cual fue el primer cuadro que vendiste?
Sinceramente,
no. Pero teniendo en cuenta que mi primera colección fue “Las Doce Tribus”,
compuesta en su totalidad por retratos de caballos, y “Trazos Vivos”, compuesta
también por retratos animalistas, casi seguro que fue un retrato de un animal
(aunque también he creado otras muchas obras con otras temáticas).
¿Puedes permitirte el lujo de vivir de tus pinturas?
Sinceramente,
nunca pensé que mis pinturas pudieran venderse. Comencé a pintar simplemente
porque me gustaba y fue posteriormente cuando, debido al interés de la gente
por adquirir mis obras, empecé a plantearme la posibilidad de vivir haciendo lo
que más me gusta. En la actualidad compagino mi faceta como pintor con otras
actividades. Pero cada vez la pintura va abarcando más de mi tiempo hasta que
espero pueda dedicarme a ello a tiempo completo.
¿Algún proyecto inmediato?
Actualmente
estoy trabajando en una nueva colección, en esta ocasión de retratos. Parte de
ellos están siendo expuestos en la Galería de Arte Carey de Barcelona. Pero
esta colección que ahora se expone en San Blas, seguirá exponiéndose en otros
dos Centros Culturales de Madrid: en el Centro Cultural Teresa de Calcuta
(Barajas) en el mes de Abril, y en la Caja del Arte (Torrejón de Ardoz) en
Octubre.
Con
el lema ‘Nos quieren como musas porque nos temen como artistas’, el alumnado de
3º de la ESO de siete Institutos de Educación Secundaria
del distrito de San Blas-Canillejas ha representado en ‘Más genias que musas’ el
papel de la mujer a lo largo de la historia en cada una de las disciplinas
artísticas: la pintura, la danza, la poesía, la música o el teatro.
Las
musas griegas de la antigüedad han sido las más representadas. El IES Carlos
III ha subido a escena a Talía y Melopómene, musas de la comedia y la tragedia
respectivamente; el IES Francisco de Quevedo a Euterpe, de la música; el IES
Las Musas a Calíope, de la poesía amorosa; el IES Simancas a Terpsicore, de la
danza; y el IES Gómez Moreno a Clío, de la historia. Por su parte el IES
Alfredo Krauss contó la historia de Sofonisba Anguissola, pintora del
Renacimiento y el IES Marqués de Suanzes a su propia musa.
En
cada una de las escenas representadas se ha puesto de manifiesto que a lo largo
de los siglos se han escondido los logros de las mujeres artistas relegando su
papel al de meras inspiradoras.
La
actividad, organizada por la Red de Institutos de Educación Secundaria del
distrito de San Blas-Canillejas (RID), ha sido un rotundo éxito de público con
la asistencia de cerca de un millar de estudiantes.
Una
representación que ha tenido lugar en el Centro Cultural Antonio Machado a la
que también ha acudido la concejala del distrito, Marta Gómez Lahoz, que manifestado
la importancia de desarrollar acciones formativas que promuevan la igualdad de
género en la sociedad y especialmente en la población juvenil para erradicar
mitos, dar voz a las mujeres y poner en valor el talento femenino.
Red colaborativa
La
RID está formada por los ocho Institutos de Educación Secundaria del distrito, la
junta municipal, la agente de igualdad y el proyecto Canillejas Comunitaria,
gestionado por la Rueca Asociación. Desde su puesta en funcionamiento en
noviembre de 2017, esta red ha trabajado con los objetivos de colaborar en vez
de competir, compartir proyectos para mejorar y apostar por la convivencia
entre los centros educativos para prevenir conflictos.
Para
ello han desarrollado actividades de diversa índole como una carrera solidaria,
unas jornadas profesionales de mediación y convivencia en el ámbito educativo y
acciones para fomentar la igualdad de género como la Pasarela de la Igualdad y
la ya mencionada ‘Más genias que musas’.
Varias asociaciones del distrito San Blas-Canillejas se unieron el día 10 de marzo para organizar un evento familiar y divertido. Los vecinos del barrio salieron a la calle disfrazados para pasar un día agradable y soleado. La chocolatada inició la jornada y la batucada encabezó el pasacalles. El concurso de disfraces y las actividades para pequeños y mayores cerraron una mañana espléndida.
El Carnaval llegó a Canillejas tras dos años recorriendo las calles de San Blas y Simancas. Diferentes asociaciones del barrio se juntaron para coordinar el evento. Plataforma Vecinal y Asociación Tobogán de Luz encabezaron la lista de organizaciones que se sumaron a la logística del carnaval. Esta asociación de asociaciones arrancó hace tres años con la idea de unificar los eventos que realizaban las diferentes agrupaciones para estas fechas y de invitar a todas aquellas entidades vecinales que quisiesen participar para realizar y coordinar el evento.
El Carnaval Vecinal es un evento coordinado entre las asociaciones y colectivos vecinales con arraigo en el barrio que surge hace tres años de la colaboración entre Tobogán de Luz y la Plataforma Vecinal San Blas-Simancas con la idea de juntar los eventos de ambas entidades para estas fechas y de abrirlo al resto para conformar dicho evento.
Niños y niñas, padres y madres, amigos, abuelos y familiares acudieron al Carnaval Vecinal para darle color al barrio de Canillejas en la matinal del domingo 10 de marzo. La calle del Néctar y el Parque de Canillejas Parque de Canillejas se convirtieron en el punto de encuentro de los asistentes a la cita. La mañana comenzó con la dinamización de Brujilda Carnal y el Escuadrón Cuaresma que sirvió como entrada a una mañana de ingredientes placenteros para los más pequeños. Los animadores se encargaron de dar el pistoletazo de salida invitando a los asistentes a tomar una deliciosa chocolatada. Los churros y el chocolate permitieron coger fuerzas a los más jóvenes que iniciaron el pasacalles siguiendo el sonido de los tambores.
La batucada corrió a cargo de Ecologistas en Acción cuyos miembros tocaron sin cesar desde el inicio de la marcha. Se pudieron ver disfraces de muchas temáticas. Los niños y niñas se inclinaron en general por los tópicos y los mayores se organizaron para realizar un disfraz colectivo y de un mismo tema. Desfilaron por las calles de Canillejas desde niños vestidos de emoticonos hasta policías representando una escena de top manta.
Un dragón humano se unió a la marcha en la calle de San Faustino y relegó a la batucada en la cabeza del pasacalles. Los Boy Scouts se encargaron de cerrar el recorrido. Cada disfraz añadió una pizca de vivacidad y color a las calles del barrio de Canillejas. La gente se asomaba desde sus ventanas para presenciar in situ un pasacalles cargado de diversión, sonrisas y alegría.
Pasacalles y concurso de disfraces
El recorrido duró aproximadamente una hora. Durante este tiempo, pudimos ver a los vecinos disfrutar mucho y ambiente era inmejorable. Las asociaciones habían trabajado para convertir el Carnaval Vecinal en una auténtica fiesta de disfraces. Y así fue. Tras el pasacalles, se realizaron actividades destinadas tanto a las personas mayores como a los más jóvenes. El concurso de disfraces se convirtió en el colofón a una mañana de jarana en Canillejas.
En esta ocasión se sentaron en la mesa más asociaciones que en años anteriores para colaborar en el Carnaval. Es una gran noticia para el distrito que cuenta con organizaciones que tienen objetivos muy importantes para la sociedad. Trabajar con la infancia y la adolescencia en el barrio y ofrecer actividades a los vecinos para satisfacer necesidades que el distrito carecía, son dos de las claves en el desarrollo de un barrio mejor para todos. Este tipo de iniciativas fortalecen las relaciones entre las distintas asociaciones vecinales y ayuntamiento.
El Carnaval Vecinal celebrado en Canillejas fue todo un éxito. Ya solo queda esperar hasta el año que viene. Puede que se celebre en otro rincón del distrito pero la esencia sigue perdurando año tras año. Con el paso del tiempo, este evento va creciendo poco a poco y se va consolidando entre los vecinos del distrito.
El sábado 16 de febrero, organizado por el Distrito de San Blas-Canillejas, tuvo lugar la
actuación de la Agrupación musico coral de la Comparsa “La madrileña”. El Auditorio estaba
absolutamente lleno, la entrada era gratuita, un gran número de familias. amigos y niños, se
dieron cita en este centro para poder vivir in situ las chirigotas más entretenidas. El día 3 la
Chirigota de Madrid en el CC Antonio Machado.
Son las chirigotas carnavaleras que por estos días se celebran en distintos puntos de nuestro Distrito. Coplillas recitativas que poseen unas formas musicales muy simples procedentes de pasodoble, la rumba, las
sevillanas.
Concretamente esta Comparsa que actuó en el Centro Cultural Buero Vallejo, nació en Madrid en el 2016,
cuando unos cuantos aficionados al Carnaval, residentes en la Capital, contactaron unos con otros a través
de las redes sociales para llevar a cabo un proyecto para promocionar la cultura de Cádiz en nuestra ciudad.
Ellos presumen de vivir todo el año en Madrid, excepto en el mes de carnaval donde ponen rumbo a “la tacita
de plata”.
Un evento muy entretenido el que tuvo lugar en este Centro donde las variadas actividades se suceden a lo
largo de todo el año. Actividades todas ellas que cosechan un gran número de público cada vez que se convocan.
Este encuentro de Comparsas y chirigotas carnavaleras andaluzas, ha tenido la diversión y el buen humor
como puntos centrales del evento, con sus divertidas canciones e interpretaciones.
Da el pistoletazo de salida de la celebración del carnaval en nuestro Distrito
La chirigota está compuesta por un máximo de 12 componentes y un mínimo de 7, que interpretan el
repertorio como mínimo dos voces. La voz que suele usar la chirigota es el tenor, que lleva la melodía. La
chirigota se acompaña musicalmente de un bombo, una caja, de guitarras y de los guiros. La chirigota, es
callejera, irreverente, satírica y desenfadada.
Una vez finalizado el acto, los artistas se mezclaron con el público asistente y departieron con amigos y
familiares que se desplazaron hasta este Centro para ver las evoluciones y ocurrencias de estas melodias tan
entretenidas. Había una gran animación entre el público asistente, todos se lo pasaron estupendamente con
la actuación de “la madrileña”.
La actuación fué seguida también por gente que se había desplazado desde Cádiz hasta Madrid, así nos lo
contaron los componentes de esta Comparsa. Ua vez finalizada la actuación, todos se disponian a hacer
rapidamente sus maletas para marcharse hasta “su” Cádiz para vivir en primera persona “los mejores
carnavales del mundo”, según nos dijeron.
La compañía José Antonio Checa Ballet presentó en el Centro Cultural Antonio Machado su espectáculo, ‘Sueños, Fantasía y Magia’. Se trata de un grupo de jóvenes promesas con edades comprendidas entre los 11 y los 23 años. Todos ellos con un alto nivel técnico, necesario para la ejecución del gran repertorio clásico y contemporáneo.
Además con este medio, obtienen la experiencia necesaria para convertirse en bailarines de reconocido prestigio.
El espectáculo Sueños, fantasía y magia consiguió llegar a todos los públicos y, gracias a su pericia y arte, logra crear adeptos al ballet. Desde los más pequeños, que podrán ser futuros bailarines, pasando por los jóvenes que verán a intérpretes de similar edad desempeñar dicho arte y romper de esta forma la barrera que el ballet puede representar. Y en general, a todo el público de cualquier edad, para lograr que disfruten de algo diferente y no siempre accesible a todos los públicos. En definitiva, crear un movimiento de seguidores de este maravilloso arte.
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José Antonio Checa
Pero, ¿quién es José Antonio Checa? Nacido en Madrid. Checa comienza sus estudios a la edad de catorce años en la misma ciudad, en el Centro de Danza Karen Taft con Tatiana Stepanova. Durante los veranos, participa con la Compañía de Odessa en Ucrania y la Compañía de Jacobson de San Petersburgo en Rusia. Más tarde, finaliza sus estudios con méritos, en la clase de Vitaly Afanskov en la prestigiosa Academia Vaganova del Ballet Ruso de la misma ciudad, escuela a su vez de bailarines tan reconocidos como Mikhail Baryshnikov y Rudolf Nureyev, entre otros. José interpreta en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo la danza española de Cascanueces y el pas de deux de Talismán.
Durante sus años de formación, José se presenta al Concurso Internacional Tanzolymp en Berlín, Alemania, donde consigue la medalla de oro. Acto seguido, obtiene una beca del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte de España.
Siendo estudiante interpreta papeles solistas para la Compañía Miniaturas Coreográficas y Compañía del Hermitage, ambas en San Petersburgo y papeles principales con la Cátedra de Alicia Alonso en Madrid.
Al mismo tiempo, es invitado por la Compañía Suite Española para participar en su producción del ballet Carmen. Después de este espectáculo, Roger Salas escribirá en EL PAÍS: Tiene futuro y garra el joven José Antonio Checa.
Será en ella, donde Farukh Ruzimatov, le invite a formar parte de la compañía que el mismo dirige, el teatro Mikhailovsky de San Petersburgo. Convirtiéndose en el primer bailarín extranjero en formar parte de una compañía rusa, siendo solista de dicha compañía. En ella representa, James de La Sylphide, Mercucio de Romeo y Julieta, Pas de deux de Los Campesinos de Giselle, Ali en Le Corsaire y el Ídolo dorado en La Bayadère.
En 2010, José Antonio Checa entra a formar parte del Tulsa Ballet en EEUU, llegando a ser bailarín solista. Ha tenido el privilegio de trabajar con coreógrafos de reconocido prestigio mundial como: Yury Possokhov, Val Caniparoli, Nicolo Fonte, Ashley Page, Adam Hougland, William Forsythe, Wayne McGregor, Christopher Bruce, Edward Liang, Ben Stevenson.
Y también ha bailado en ballets de Marius Petipa, George Balanchine, Sir Kenneth MacMillan, Mikhail Fokine, Paul Taylor, Christopher Wheeldon, Twyla Tharp, John Cranko, entre muchos otros.
En 2015, se incorpora al Sarasota Ballet en Florida, EEUU, bajo la dirección de Iain Webb, en calidad de bailarín solista interpretando diversas piezas de ballet clásico y contemporáneo. Trabajando a su vez con los coreógrafos mencionados anteriormente e interpretando coreografías de Sir Frederick Ashton.
Ha sido bailarín invitado por el Alvin Ailey Ballet de Nueva York
Durante todos estos años, José compagina su carrera artística con la docencia. Da clases en la escuela del Tulsa Ballet, Prestige Dance Company, Theatre Arts Dance Company, todas estas en Tulsa, EEUU. Y es profesor invitado en SLK Ballet en Nueva York, De La Arts Dance Company en Cincinnati, Margaret Barbieri Conservatory y Sarasota Ballet School ambas en Sarasota, EEUU, y el Joven ballet del Pirineo de Jaca, el centro de danza Karen Taft en Madrid, la Asociacion de Profesionales de la Danza de la Comunidad de Madrid. También ha sido profesor titular del centro Madrid Factory para la formación de bailarines profesionales.
En octubre de 2017, abre su propia escuela y compañía, José Antonio Checa Ballet para la formación de bailarines profesionales.
En la actualidad, José cursa un grado en Pedagogía de la danza en el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila.
