Madrid disfruta con el International Jazz Day

15/04/201819/04/2018 PAGINAdeldistrito

El 30 de abril se celebra el Día Internacional del Jazz en cientos de países organizando conciertos y todo tipo de eventos. Madrid se suma a la celebración durante 10 días del 23 de abril al 2 de mayo, acogiendo una programación con actividades para todo tipo de públicos.

La Noche en Vivo y The World Jam presentan la primera edición del International Jazz Day con la participación del Ayuntamiento de Madrid y el apoyo de Cervezas Alhambra. También participan las escuelas de danza y música, el Teatro Fernán Gómez y las principales salas de Jazz madrileñas como Clamores, Casa Patas, Barco, El Juco, El Despertar o Bogui Jazz, este último está considerado por la revista Jazz Downbeat uno de los mejores del mundo y donde se presentó el evento con la presencia de Marina Lledó, deleitando a los medios con sus melodías brasileñas.

Música, danza, masterclass, escuelas, espacios gratuitos en la calle (Plaza Daoíz y Velarde, Meseta de Usera y Plaza de Colón), clubs y salas de La Noche en Vivo inundarán de buena música y también bailable las calles de nuestra ciudad. El objetivo del Ayuntamiento, organizadores y promotores es sensibilizar al público en general sobre las virtudes de la música jazz como herramienta educativa y motor de la paz y el diálogo entre los pueblos. La fecha 30 de abril como Día Internacional del Jazz fue proclamada por la UNESCO en 2011.

Entre los conciertos destacan Cameron Graves, Jorge Pardo, Elon Turgeman, Ernesto Aurignac, Pat Martino, Marc Ribot, Nels Cline & Julian Lage, Elizabeth Shepperd, María Lledó o Niño Josele. El 30 de abril se celebrará a lo grande en la Plaza de Colón y con entrada gratuita.

www.jazzymas.com

El 30 de abril se celebra el Día Internacional del Jazz — Marina Lledó

Cultura Entrevista

Maite Gómez: “Mis cuadros expresan mi estado de ánimo en cada momento”

14/04/201821/04/2018 PAGINAdeldistrito Centro Cultural Antonio Machado

Maite Gómez lleva la pintura metida en la sangre desde que estudiaba en el instituto. Sus cuadros son reconocibles al primer golpe de vista gracias a los colores: vivos, expresivos, con alma. Durante la primera quincena de abril expone en el centro cultural Antonio Machado su muestra “El color de mi mundo”.

¿Cómo surge la muestra de pintura “El color de mi mundo”?

Mi interés por la pintura viene desde mi época de instituto cuando visitamos por primera vez el museo del Prado, desde entonces empecé a hacer mis pinitos con los colores haciendo manualidades y llegando en la juventud a pintar algunos óleos. Después llegó la fase de familia, trabajo e hijos y todo quedó en standby. No fue hasta hace unos años que por avatares de la vida terminé apuntándome a mis primeras clases de pintura (hasta entonces había sido autodidacta), las clases me dieron técnica pero sobre todo me dieron continuidad. Esta continuidad es la que ha permitido la evolución de mi obra.

El color de mi mundo no es más que un extracto de mi obra, la exposición está formada de cuadros de mis diferentes épocas, de hecho varío algunos cuadros de exposición en exposición. El hilo conductor de mi obra es el color, mis cuadros siempre tienen más color que los originales de los que parto. Para mí el color es alegría y optimismo, es mi especial forma de ver la vida.

¿Qué intenta expresar con su pintura?

Sentimientos, mis cuadros expresan mi estado de ánimo en cada momento, mis alegrías y mis penas, mi optimismo y mi desesperación,… La obra más representativa de esto es “liberación”, el cuadro muestra un bosque frío, nevado y gris y, en el centro del cuadro, el agujero de una cerradora mostrando una carretera en un luminoso día de verano. Cuando pinté este cuadro atravesaba una época complicada laboralmente y sabía que en algún lugar estaba la “salida”, el hecho de pintarla supuso una válvula de escape para mí, y espero que sea una llama de esperanza para todos aquellos que atraviesen una situación similar a la mía; no importa lo complicada que resulte la vida en un momento dado, las malas épocas siempre terminan y detrás hay una época que está en nuestras manos que sea estupenda.

Por otro lado también están mis cuadros rosas y naranjas de mi época de felicidad; y últimamente los mares con la inmensidad y la fuerza de las olas que expresan el poderío que tenemos cada uno de realizar nuestros deseos.

¿Qué aceptación está teniendo hasta el momento?

En mi casa dicen que “el Color de mi mundo” es una muestra itinerante, la he ido exponiendo en diferentes Centros Culturales de Madrid: Gloria Fuertes, Moratalaz, Carril del Conde, Ciudad Pegaso, José Luís López Vázquez y ahora el Antonio Machado. El punto en común que me han transmitido en todos ellos es que han disfrutado con el colorido y han salido de la exposición más ligeros, con energía renovada.

¿En qué estilo se encuentra más cómoda?

Gran parte de mi obra es óleo, la ventaja del óleo es que me permite tocar y retocar hasta que me encuentro satisfecha con el resultado. Mi obra “el sueño” es un buen ejemplo, el cuadro muestra una niña sentada en la luna con un conejito en las manos y sobre un mar de nubes. El color del vestido de la niña pasó prácticamente por todos los colores del arco iris hasta que terminó en su color definitivo que es el azul. Pero por otro lado hay veces que el cuerpo me pide hacer algo rápido, entonces trabajo sobre papel, pinto la base en una grisalla (blanco y negro) con acrílicos y luego lo coloreo con pinturas pastel. Esta técnica me permite tener resultados en un día aunque siempre me paso un par de días retocando detalles.

¿En qué se inspira?

Me inspiro en todo aquello que me rodea, en mis experiencias personales, mi familia. Detrás de cada cuadro hay una historia, un viaje, o simplemente algo hermoso que quiero compartir. Por supuesto las modelos principales de los retratos son mis hijas en sus diferentes etapas de la vida pero también hay un retrato de Andrew, el conductor de un autobús que nos llevó unas vacaciones. También hay paisajes y pequeños detalles de la vida que nos rodean y que pasan desapercibidos en nuestro día a día.

¿Cómo comienza una pintura? ¿Cuál es el proceso de creación?

Todo comienza con las fotografías, haya donde vamos nos gusta hacer fotografías de las cosas hermosa que vemos, a veces no son más que unas margaritas creciendo en el borde de una escalera que baja a la playa o la hiedra enredándose en una valla de madera en Cabárceno. Tengo tantas fotografías guardadas que necesitaría varias vidas para poder pintarlas. Después en un momento dado me surge el deseo de pintar algo, recuerdo mi foto o busco en internet fotos que me den la base para lo que quiero pintar. Generalmente para pintar un cuadro me inspiro en diferentes fotografías y siempre, siempre termino incluyendo mi particular visión del color.

¿Cuándo sabe que un cuadro está terminado?

Buena pregunta, en general sigues tocando un cuadro hasta que éste refleja lo que estás buscando, hay detalles que dejas borrosos o inacabados porque lo que quieres es llamar la atención sobre otra parte del cuadro. De todas formas no es fácil decidir si el cuadro está terminado, en algunos consigues lo que buscas y decides no tocar más; otros pasan por la fase “de castigo”, los pones de cara a la pared durante un tiempo para luego, al volver a verlos, ver que es lo que estás buscando y no conseguías; y por último están los que das por acabados por desesperación y al cabo de los meses decides retomar.

¿Cómo contempla la pintura actual?

Creo que actualmente se están produciendo obras muy buenas, basta con darte una vuelta por los diferentes concursos para ver obras realmente buenas de personas poco conocidas. Por supuesto cada uno tiene sus gustos y no todos los estilos sirven para todo el mundo. Una persona no hace mucho que me dijo que para ella “Arte es aquello que me dice algo”, me parece una definición perfecta. Para mí me parece estupendo tener colgado un cuadro en la pared que me permita desconectar del mundo mientras lo miro para volver después con energía renovada.

Hábleme de sus influencias.

Goya despertó mi interés por la pintura, en mi época de instituto no había internet, después de preparar un trabajo sobre Goya fuimos a ver sus cuadros al museo del Prado y me parecieron impresionantes. Pero el pintor que más ha influido en mi obra sin lugar a dudas es Sorolla, su luz y su color son la base de mi obra. No importa cuántas veces vea sus cuadros, siempre aprendo algo de ellos. Los azules, los morados en las sombras y sobre todo los blancos. La próxima vez que veas una exposición de Sorolla elije un cuadro, primero míralo de lejos, siéntelo, analiza lo que ves, luego acércate y mira las pinceladas, pero sobre todo los colores con los que ha conseguido las luces y las sombras, después de esto seguro que cuando veas cualquier cuadro de Sorolla lo verás con otros ojos.

Cultura Entrevista

Javier Falque, “El Alzheimer me ha enseñado a entender a las personas”

04/04/2018 PAGINAdeldistrito Centro Cultural Antonio Machado

El Centro Cultural Antonio Machado albergó la exposición de Javier Falque, un publicista madrileño al que un suceso puso del revés toda su existencia: el Alzheimer diagnosticado por su madre. Esa terrible enfermedad supuso el germen que dio pie a ‘Recuerdos borrados por el Alzheimer’. Su periplo por diferentes salas de exposiciones no puede ser más exitoso. A nadie le resulta indiferente.

¿Cómo surge ‘Recuerdos borrados por el Alzheimer’?

Surge porque mi madre tuvo Alzheimer durante ocho años. Como todo el mundo sabe, es una enfermedad bastante dura. Destruye al enfermo poco a poco, así como también a los familiares y a todos los que están alrededor. Surge para ayudar y dar a conocer esta enfermedad, así como para darle visibilidad.

El Centro Cultural Antonio Machado albergó la exposición de Javier Falque

¿Se puede decir que es un homenaje a su madre?

No diría tanto. Evidentemente ella está representada pero lo que he querido hacer es difundir y comunicar la experiencia que he tenido con una persona allegada y querida que tuvo Alzheimer.

¿Cómo transcurrieron sus inicios en la pintura?

Empecé hace 30 años en plan amateur. Iba a una escuela de pintura y allí comencé a pintar. Durante esas tres décadas ha habido altibajos, momentos en los que he pintado mucho, en los que he pintado poco y ahora, últimamente llevo cinco años en el Círculo de Bellas Artes. A partir de ir al Círculo y estar pintando en los talleres que allí tenemos me surgió la idea: si seguir pintando cuadros sin un sentido concreto o realizar una exposición que representase algo duro como es esta enfermedad tan terrible.

Viene del mundo de la publicidad. ¿Está muy presente en su obra?

Creo que sí. Llevo toda la vida trabajando en publicidad, trabajando tanto para anunciantes y agencias publicitarias nacionales e internacionales y creo que sí se encuentra muy representada en mi obra. La forma de hacer, de explicar e interpretar la exposición posee un contenido que puede ser de difusión publicitaria.

¿En qué estilo se encuentra más a gusto?

En el que he representado. Hay gente a la que le puede gustar más, otros a los que les puede gustar menos y viendo esta muestra y algunos otros cuadros que tengo sí me han dicho gente erudita que conoce bien la pintura que mi estilo recuerda mucho al de los pintores alemanes.

¿Qué le ha enseñado una enfermedad tan despiadada como el Alzheimer?

Me ha enseñado a entender a las personas, a estar más cerca de ellas y sobre todo a darles cariño. Como antes decía, el Alzheimer destruye primero al enfermo y después al cuidador. Se van rompiendo vínculos, se va rompiendo el contacto, sólo queda el visual y el tacto, no se les entiende y al final solo queda el sentido del tacto: tocar, besar. También la música es muy beneficiosa para ellos, parece ser que es de las pocas cosas que no olvidan.

¿Cómo ha sido la aceptación de la muestra?

Me he sentido desbordado. Se inauguró en septiembre de 2017 coincidiendo con el Día Mundial del Alzheimer. La expuse por vez primera en una sala de Cruz Roja y lo único que pretendía fue dar a conocer la exposición. Mi sorpresa fue que inmediatamente tuvo una gran aceptación, fue muchísima gente a contemplarla como por ejemplo una escuela de cuidadores, gente de la institución, personas que habían tenido enfermos con Alzheimer. Tengo una anécdota: me ofrecí a una persona que estaba viendo la muestra a explicarle la exposición y me dijo que era ya la tercera vez que venía a verla porque su padre tuvo Alzheimer. Me confesó que en el momento en que su padre dejó de conocerlo, para él murió. Yo le expliqué que mi exposición no iba sobre muerte, sino sobre la vida porque creo que hasta que no fallece la persona, hay vida. Él luego me admitió que tras ver mi exposición se arrepintió de su primer pensamiento. Me dijo que la muestra le ayudó mucho y le sirvió de terapia. Con eso yo ya me doy por satisfecho.

Cuando afirma que el Alzheimer es una enfermedad que no encaja ¿a qué se refiere?

Porque no encaja en ningún sitio. A los médicos creo que les falta mucho conocimiento, las farmacéuticas investigan menos de lo que deberían y sobre todo, la ayuda que tenemos los enfermos y los cuidadores es muy pobre. Se invierte poco dinero en investigar esta enfermedad con respecto a otras. Es cierto que cada vez tiene más visibilidad. En las instituciones tampoco encaja así como en la sociedad actual porque es una demencia, porque parece que están locos, lo cual no es cierto.

¿Qué mejoras reclamarías a las administraciones?

Simplemente que se pusieran por un instante en nuestra piel y que pensaran tan solo un minuto que el enfermo de Alzheimer pudiera ser su padre o su madre. Con esa reflexión, todo sería distinto.

Cultura Entrevista

Roberto Martín, “El Realismo es más auténtico que el Hiperrealismo”

04/04/2018 PAGINAdeldistrito Centro Cultural Antonio Machado

Roberto Martín expone en el Centro Cultural Antonio Machado

Roberto Martín procede de Mocejón, un municipio toledano de la comarca de La Sagra que linda con los términos municipales de Aranjuez al este en la provincia de Madrid y Magán y Villaseca de la Sagra al norte, Toledo al sur y Olías del Rey al oeste. Empezó muy joven en el mundo de la pintura y con 52 años expone en el Centro Cultural Antonio Machado la muestra “Pintura contemporánea del Realismo y forja artística”. Página del Distrito charló con el artista:

Pintura contemporánea del realismo y forja artística se llama la exposición que presenta.

Así es. He relacionado la forja desde sus comienzos más elaborados artesanalmente porque siempre hay que dibujarlas primero, crearlas, visualizarlas en la mente, trasladarlas al papel y, posteriormente a la realidad. Con ese dibujo no puede faltar en ningún momento la madre de las artes, que es la pintura. Me motivó bastante mezclar forja y pintura y crear una exposición con la oportunidad que nos han ofrecido en el Antonio Machado, que es una muestra que trata de eso, de la esencia de la forja con toda su creación y realización, llevándola a buen fin. Y luego está la pintura, que se complementa a la perfección.

¿Mezclan bien pintura y forja?

Creo que sí porque para forjar también utilizamos todo tipo de pátinas, creamos muchos colores, entendemos el color, sobre todo los óxidos y muchos tipos de pátina. La forja tiene su volumen, el volumen real y la pintura, al ser un sitio plano, es muy difícil llegar a crear ese volumen. Creo que se complementan bien y sí se pueden relacionar sin problemas.

¿Cómo fueron sus inicios?

Comencé muy pequeño en el mundo del arte gracias a mi padre que ya era artesano. Venía de mi abuelo, ambos empezaron juntos también a una edad temprana. Luego he estado en escuelas de formación, en la Escuela de Arte de Toledo (la forja en Toledo es conocida mundialmente), el dibujo siempre me motivó desde chico. Cuando era pequeño quería que me regalaran lápices de colores, mi primer caballete lo tuve con 16 años, me he estado formando durante mucho tiempo para llegar a realizar trabajos de cierta calidad. Llevo toda la vida en esto, tengo 52 años y he tenido grandes profesores que me han enseñado.

El pintor, ¿nace o se hace?

Creo que va dentro, cada uno lo lleva en su interior. Eso no sólo pasa en pintura sino también en todas las artes. De todas formas, aconsejo que es necesario que el pintor reciba clases de algunos buenos profesores. En mi caso, mi profesor por excelencia es el madrileño Enrique Donoso, al que le tengo que agradecer bastantes de mis conocimientos. Es cierto que la práctica hace muchísimo pero debe haber cierto asesoramiento de alguien que te aconseje cómo interpretar la luz, la que es fría, la que es cálida, la transición de sombra a luz, si estás en el interior es una luz fría, si estás fuera, cálida, los colores, los materiales que existen y sus aplicaciones, etc.

¿En qué estilo se encuentra más cómodo?

Me encuentro más cómodo en el pastel, dentro del Realismo, es la técnica que más me gusta. El Realismo es mi estilo, con concibo la pintura de otra manera. El pastel es una técnica muy agradecida, rápida, que tiene una saturación de color muy grande pero considero que la verdad de la pintura es el óleo. La pintura al óleo es la que permanece. El pintor que se hace realmente es pintor de óleo pero yo me identifico con el pastel.

¿Cuánto tiempo le lleva crear un cuadro?

Depende de la técnica que utilice. La del pastel es la más rápida, lleva menos tiempo pero hay que decir que se echan muchas horas. Antes debe haber una preparación, saber primero lo que debes hacer, cómo lo vas a realizar, qué colores vas a usar, qué materiales. Hoy día el mercado nos ofrece unos papeles muy buenos, para pintar sobre ellos, también tenemos la tabla. Si es óleo requiere más tiempo, hay que dejar secar. El óleo tiene otro procedimiento, es una técnica que requiere empaste. El pastel una vez que los vas haciendo lo vas dejando acabado, en el óleo debes dejar secar e imaginar el proceso siguiente, debes ver cómo va a reaccionar la otra mano que vas a dar con la que ya has dado anteriormente, es una técnica más lenta, puede llevarte meses hacer una obra de óleo. Con el pastel puede hacer un trabajo muy bueno en una semana.

¿Cuándo sabe que un cuadro está acabado?

Eso es muy complicado. Como decía el maestro Antonio López, “realmente no lo sabes nunca”. Hay veces que le pones algo a posteriori y lo estropeas. Hay que saber medir hasta cuándo quieres llegar en ese trabajo. Hablamos de Realismo, claro. Si el trabajo te convence, déjalo ahí. Hay veces que se deja trabajos a medio terminar en algunas partes y queda bien, eso lo hacen muchos artistas. El retrato exige mucho porque el cliente debe estar satisfecho con el resultado final.

¿En qué se inspira?

Cuando pinto me inspiro mucho en los colores de la naturaleza. Cuando trabajo en la forja me inspiro en el movimiento. Cuando he pintado en un cuadro unas manos, he hecho una alegoría a la forja.

¿Cuáles son sus principales influencias?

Intento no copiar a nadie. Intento coger de cada uno de los que he estudiado, algo pero no intento nunca hacerlo igual. Cada pintor tiene su técnica, su manera de trabajar. Sí recojo las enseñanzas de los que me han influido. Los pintores lo que intentamos es coger nuestra propia personalidad, busco tener un camino propio, siempre intentando innovar tanto en el metal como en la pintura.

¿Convive bien el realismo con la pintura contemporánea?

Sí porque hoy día hay muy buenos pintores realistas, sobre todo en España, como Antonio López, Muñoz Vera, gracias a ellos tenemos los primeros puestos en el mundo. Es cierto que se entiende poco porque vivimos en una sociedad que está en continuo cambio y por tanto, se crean nuevas inquietudes en pintura, escultura, arquitectura pero en líneas generales, el Realismo convive bien en la sociedad actual.

¿Le gusta el Hiperrealismo?

No llego a entender el Hiperrealismo, creo que el Realismo es más auténtico que el Hiperrealismo. Éste se escapa un poco de las manos. A Antonio López lo veo realista no hiperrealista. El Realismo es lo que nos dejaron los grandes maestros, ¿para qué vamos a llegar más allá si ya tenemos la fotografía…?

Cultura

La biblioteca José Hierro cumple quince años

26/03/201826/03/2018 PAGINAdeldistrito

El día 11 de marzo se cumplió el quince aniversario de la apertura de la biblioteca José Hierro, inaugurada por el entonces alcalde del Partido Popular, Álvarez del Manzano. Durante estos tres lustros, María José Hervás, fue la persona que ejerció el papel de directora dejando como herencia a Miguel Ángel Fernández y Pablo Quintanillas un legado basado en el trabajo con las asociaciones, “que ella llegó a llevarlo muy bien”, según confiesan los responsables en estos momentos de la biblioteca que han respetado todo el trabajo realizado por la predecesora y han incorporado algunas innovaciones referentes a la creación de talleres de nuevas tecnologías con programación dedicada a los niños.

A colación de la conmemoración del quince cumpleaños de la biblioteca ubicada en la calle María Sevilla Diago número 15, se ha organizado un concurso de microrrelatos que comenzó el pasado 12 de marzo y estará operativo hasta el próximo 18 de abril.

Carnés en activo

Pero no solamente es noticia la José Hierro por la efemérides, sino que también tiene el privilegio de ser el centro que más carnés en activo tiene de todo Madrid. Según Pablo Quintanillas, “con el catálogo único, la Comunidad y el Ayuntamiento ahora comparten el mismo carnet. Se estableció que aquellos carnets que llevaban cinco años sin usarse desaparecían de la base de datos así que toda la red de bibliotecas ha reducido su número de carnets en bruto y nos ha quedado este dato que nos dice cuánta gente utiliza el carnet de la biblioteca José Hierro. Somos los más activos”.

Suele ocurrirle a estos establecimientos donde se tiene un considerable número de libros ordenados para su consulta o lectura lo que a las Iglesias, cada vez hay menos gente joven en sus dependencias. La juventud, que vive instalada en la cultura digital, observa con recelo y desconfianza todo lo que rodea al mundo del papel, de igual forma que los jóvenes del siglo XX rechazaban formatos como el papiro. Como señuelo para las hordas juveniles, la biblioteca José del Hierro de San Blas-Canillejas maneja la posibilidad de instalar videoconsolas para realizar actividades educativas en el centro. Un proyecto que ya están realizando las bibliotecas más vanguardistas de toda Europa.

Usuarios de las bibliotecas

Las 33 bibliotecas municipales de Madrid fueron visitadas en 2017 por 2,04 millones de usuarios, de los cuales 480.320 tienen carné infantil (78.295) o de adultos (402.025) y que han valorado con un notable alto, un 8,64 de media, la calidad de estos centros.

Además, la mayoría de los usuarios de las bibliotecas, el 73 %, acude al menos una vez en semana a estos centros y un 88 % al menos una vez cada 15 días y 9 de cada 10 se considera un lector habitual, mientras que el género más leído es la narrativa para adultos (71,3 % de los usuarios).

Así se desprende de la encuesta de bibliotecas públicas 2017, elaborada por el Ayuntamiento con una media de 1.070 entrevistas, donde los madrileños valoran con un 9,13 la atención del personal y con un 8,35 los horarios de apertura.

En concreto, la biblioteca más valorada por los vecinos es la Gabriel García Márquez, situada en el distrito de Usera y que obtiene una puntuación de 9,26 mientras que a la cola se sitúa la Iván de Vargas, en el distrito Centro con un 7,86.

Perfil de lectores

El Ayuntamiento ha trazado además un perfil de los lectores que acuden a las bibliotecas, a la que llegan sobre todo a través del préstamo de libros (el 74,11 %), un servicio que usan el 84,3 % mientras que el de la sala de lectura es usado por el 45,45 %.

Además hay diferencias por edad, de 14 a 18 años el 63 % usan sobre todo préstamo, seguido de la sala de lectura (59,18 %) y el wifi (51,02 %), mientras que entre los 19 y los 29 el uso principal, el 75 %, es el de la sala de lectura, algo que deja de ocurrir a partir de los 30, cuando se sacan más libros y se lee menos ‘in situ’, mientras que los mayores de 65 años suman a sus usos la lectura de la prensa (33%).

En el último año, el Ayuntamiento ha sumado una biblioteca a su red, de 33 centros y que se complementa por otras 17 bibliotecas autonómicas situadas en la ciudad, y planea abrir seis más en los próximos años, mientras que el fondo de libros ha aumentado en un 7%.

Bases generales para el concurso de escritura “Mirorrelatos 15 aniversario BPM José Hierro”

La Biblioteca Pública Municipal José Hierro convoca un concurso de microrrelatos con motivo de su 15 aniversario.

Jose Hierro - concurso de microrrelatos — Concurso de microrrelatos

1. BASES GENERALES

Podrá participar cualquier persona física, sin límite de edad. Las obras que se presenten a este Concurso deberán estar escritas en lengua castellana, contar con un título, de no más de 10 palabras, y tener un máximo de 100 palabras en el cuerpo del relato.

La acción de los microrrelatos se desarrollará en el distrito de San Blas-Canillejas y/o en la biblioteca, cuya mención deberá figurar al menos una vez en el cuerpo del relato. No basta con que figure en el título.

2. PRESENTACIÓN DE LOS TRABAJOS

Las obras serán originales, inéditas, no premiadas anteriormente en ningún otro concurso, ni sujetas a compromiso alguno de edición. Tampoco podrán estar pendientes de fallo en cualquier otro concurso en la fecha en que finalice el plazo de presentación a éste, ni podrán ser presentadas a otro certamen hasta que éste sea fallado.

Los trabajos se presentarán presencialmente en la biblioteca, adjuntando sus datos personales (nombre y apellidos y DNI), dirección de correo electrónico y título del relato.

Cada concursante podrá presentar un máximo de 2 microrrelatos.

3. PLAZO

El plazo de recepción de los microrrelatos será desde el día 12 de marzo al 18 de abril, ambos inclusive.

El fallo del jurado se hará público el día 23 de abril coincidiendo con el Día del Libro.

4. PREMIOS

Se seleccionarán 3 relatos finalistas, que recibirán un diploma acreditativo y serán publicados en la página de Facebook de la biblioteca y en carteles impresos en la misma.

De estos 3 relatos, será elegido el ganador, que recibirá un lote de material bibliográfico y audiovisual y un diploma.

Los premios del concurso podrán quedar desiertos si el jurado considera que ninguna obra se ajusta a las exigencias del certamen.

5. JURADO

La Biblioteca José Hierro designará un Jurado entre sus trabajadores para la selección de los finalistas.

Su fallo será inapelable y comunicado telefónicamente y a través del Facebook de la biblioteca a los premiados.

6. OBSERVACIONES FINALES

Los trabajos seleccionados quedarán en propiedad de Bibliotecas Públicas Municipales del Ayuntamiento de Madrid.

Los autores cederán sus derechos de publicación en la Web y/o en papel, si se llegasen a publicar o a grabar, sin afán de lucro y haciendo siempre mención del autor de las mismas.

Los participantes serán responsables de las reclamaciones que se produjeran por daños a terceros (plagios, daños morales, etc.)

Cualquier hecho no previsto en lo redactado en estas bases, o duda sobre la interpretación del mismo, será resuelto según el criterio del Jurado.

La participación en la presente convocatoria implica aceptar todas y cada una de las disposiciones contenidas en las presentes bases.

Cultura

PATÁX presenta Creepy Monsters en el Café Berlín

25/03/201821/04/2018 PAGINAdeldistrito

CONCIERTO MADRID. Sábado 21 ABRIL. CAFÉ BERLÍN.

Costanilla de los Ángeles, 20. 23:00 hrs. Entradas: 12 € / 15 €.

Debido a sus exitosos conciertos presentación en Madrid el pasado mes de febrero y también en Boston y Valladolid, regresan a Madrid para seguir deleitando a sus ya muchos seguidores.

PATÁX, la multicultural y multirracial banda de fusión más prominente de España con más de 22 millones de visitas en Youtube y cerca de 82.000 seguidores en Facebook, ya es un proyecto conocido en todo el mundo.

Patáx sigue una trayectoria imparable después de haber presentado en directo su nuevo y cuarto disco “CREEPY MONSTERS“, jueves 22 de Febrero en el Teatro Nuevo Apolo de Madrid, continua su gira de conciertos en este mes de Abril, además del reciente concierto en Boston, EE.UU, ahora regresa a Madrid al Café Berlín, a Valladolid, Marruecos y más fechas próximas, por confirmar en breve.

El cerebro, promotor y motor de este arrebatador concepto musical es el percusionista, compositor y director de la banda, Jorge Pérez . Conduce el concepto “Fusión” hasta un territorio completamente inexplorado, donde la comunicación física entre el Jazz, el Flamenco, el Funk, el Latin Jazz, el Ritmo Afrocubano, Góspel, Soul o Hip Hop, es la clave de sus complejas, explosivas y mágicas atmósferas.

Patáx, una banda independiente presenta para este nuevo año 2018, su cuarto y último disco “Creepy Monsters”.

Jorge Pérez, impulsado por la misma fascinación por la magia del sonido directo, empezó elaborar este nuevo trabajo discográfico de Patáx. Una vez más, en vivo y nuevamente en un teatro, si bien, en esta ocasión, poniendo el acento en las composiciones propias. El resultado es “Creepy Monsters”: 12 temas,de los cuales, 7 son composiciones originales de Jorge Pérez y los otros 5, arreglos inverosímiles “marca de la casa”, de temas tan dispares como “Higher Ground” de Stevie Wonder, el tema principal de la serie “Game of Thrones”, “Bad” de Michael Jackson, “Volver” de Carlos Gardel o el mismísimo Himno Oficial de los Estados Unidos, “Star Spangled Banner”, en una inaudita versión que dejará boquiabierto a más de uno.

www.patax.es

BIOGRAFIA PATÁX

PATÁX es a día de hoy la banda de fusión más prominente de España, que ya es conocida y reconocida en todo el mundo, prueba de ello son los más de 22 millones de visitas en YouTube y casi 82.000 seguidores en Facebook. Patáx sigue una trayectoria imparable.

Partiendo del glorioso legado de leyendas del Jazz como Herbie Hancock, Weather Report, Corea’s Elektric Band, Sixun o Zawinul Syndicate, y la poderosa influencia de los visionarios y multicolores sonidos de Miles Davis, Wayne Shorter, Irakere, Hermeto Pascoal y Paco de Lucía, PATÁX conducen el concepto “Fusión” hasta un territorio completamente inexplorado, donde la comunicación física entre el Jazz, el Flamenco, el Funk y el Ritmo Afrocubano, el Rock, el Pop o el Góspel, el Soul o el Hip Hop, es la clave de sus complejas, explosivas y mágicas atmósferas.

Sorprende, de entrada, ver a un percusionista asumiendo el papel de compositor, y director de la banda, sin embargo, con Jorge Pérez, cerebro, motor y promotor de esta sólida y ya reconocida aventura, realmente se rompió el molde. Este artista es un hombre tras una IDEA; un nuevo concepto que en el que cohabiten Jazz, Flamenco, Funk y Latin Jazz, con plena consciencia de sus respectivas esencias e identidades, y desde una perspectiva rabiosamente contemporánea.

Patáx, una banda independiente que surgió sólo recurriendo a su creatividad y tremenda originalidad audiovisual, capitaneada por Jorge, presenta para este nuevo año 2018, su séptimo y último disco “Creepy Monsters“.

Jorge Pérez, impulsado por la misma fascinación por la magia del sonido directo, empezó elaborar este nuevo trabajo discográfico de PATÁX. Una vez más, en vivo y nuevamente en un teatro, si bien, en esta ocasión, poniendo el acento en las composiciones propias. El resultado es “Creepy Monsters”: 12 temas,de los cuales, 7 son composiciones originales de Jorge Pérez y los otros 5, arreglos inverosímiles “marca de la casa”, de temas tan dispares como “Higher Ground” de Stevie Wonder, el tema principal de la serie “Game Of Thrones”, “Bad” de Michael Jackson, “Volver” de Carlos Gardel o el mismísimo Himno Oficial de los Estados Unidos “Star Spangled Banner”, en una inaudita versión que dejará boquiabierto a más de uno.

Increíble, emocionante y alentador que un proyecto como Patáx, demandado por todo el mundo, se haya forjado en España. Una meta ambiciosa que requiere talento, decisión, tenacidad, y un grupo de músicos extraordinarios, capaces de llegar a donde la mayoría no sabe, no puede, o no se atreve, anexionando en perfecta armonía las tendencias e influencias de sus países de origen, como son: España, Cuba, Italia, Argentina, Chile o Guinea-Bissau, entre otras nacionalidades.

Conocidos por su sorprendente capacidad de fusionar muchos estilos al más alto nivel, Patáx demuestra en este disco la increíble versatilidad de este grupo de músicos internacionales radicados en nuestro país, punto cosmopolita, multirracial y multicultural, que hacen que esta maquinaria artística cree, innove, renueve, reinvente y reivindique el puesto de banda insignia del nuevo jazz fusión en el ámbito internacional, con un directo impresionante, impregnado de aromas jazzeros, flamencos, latinos, funkeros, rockeros y también del Soul.

Resaltar también su trayectoria: tras asombrar en 2013 con su fascinante debut “Live From Infinity” (un trabajo innovador en muchos aspectos, grabado simultáneamente en audio y vídeo) y deslumbrar en 2014 con “Patáx Plays Michael”, vitamínica colección de sabrosas y coloristas versiones del Rey del Pop Michael Jackson, convenientemente pasadas por la implacable trituradora rítmica del grupo, PATÁX regresan en 2016 con “A Night To Remember“, doble CD grabado en directo en el Teatro Calderón de Madrid, que los sitúa, de un solo golpe, como una de las grandes potencias del joven Jazz nacional e internacional.

Imposible no mencionar sus impresionantes conciertos en directo, verdaderas explosiones de pasión y energía. O el arrollador éxito internacional de sus enloquecidas vídeo creaciones “Bottom Percussion 1, 2 & 3”, que han recibido más de 14 millones de visitas de todo el mundo. Un fenómeno mundial.

PATÁX son la más fresca, sorprendente y cosmopolita expresión de La nueva generación del Jazz español.

Cultura

Simarro con los Derechos Humanos en CentroCentro

27/02/201819/03/2018 PAGINAdeldistrito

El compositor sinfónico y pianista Simarro, nombrado recientemente compositor oficial de la BEVERLY HILLS SYMPHONY, ofrecerá un concierto “Simarro, música positiva”, el sábado 17 de Marzo en el CentroCentro de Cibeles, organizado por la fundación Più Mosso.

Interpretará composiciones como la “Obertura por los derechos humanos”, la cual forma parte de la “Sinfonía por un mundo mejor”, con el apoyo de la UNESCO, o sus últimas composiciones, como “Que el fin del mundo te pille bailando”, “Cuatro acordes para expresarme” entre otras.

Del virtuosismo de su “música positiva” ya dan fe importantes organizaciones mundiales, como UNESCO, ONU, PREMIOS NOBEL DE LA PAZ, GREENPEACE, etc. y también grandes artas como Julio Iglesias, Ara Malikian o el Dúo Dinámico con los que ha colaborado en diferentes proyectos.

Sábado 17 MARZO. 20:00 hrs.
CentroCentro – Plaza Cibeles, 1, 28014 Madrid

Entradas: 9€/14 €

ENTRADAS: ticketea.com/entradas-concierto-la-musica-positiva

Cultura

Julián González: “Me atrae la pintura que se acerque a lo moderno”

27/02/201827/02/2018 PAGINAdeldistrito Centro Cultural Antonio Machado, Centro Cultural José Luis López Vázquez

Devoto de cualquier expresión artística, Julián González descubrió allá por el año 2015 que habitaba un pintor en ciernes en su interior. La exposición Tanteos II, en el Centro Cultural José Luis López Vázquez (estará abierta al público hasta el 15 de marzo), refleja su período de aprendizaje. La mayor parte de las obras que se muestran son originales aunque algunas se inspiran en otros cuadros siempre filtrados por el tamiz de la paleta de Julián González. Todo aquel que visite la muestra se encontrará con cuadros evocadores, misteriosos y con alma. Avisados quedan…

¿Qué es Tanteos II?

Lo llamo Tanteos porque yo comencé a pintar en el año 2015 por recomendación de un psicólogo. Siempre me gustó el arte, sobre todo la arquitectura, aunque nunca lo había practicado. Alguna vez tuve ganas de pintar pero nunca me decidí. Me aconsejó un psicólogo que practicara porque me vendría bien para la ansiedad y me decidí en 2015. He hecho unos cuantos tanteos en el sentido de que estoy probando distintos estilos. Mi exposición es muy variada. He tratado de ser original en casi todos los cuadros excepto en algunos en los que, basándome en otros cuadros, los he hecho a mi manera. A algunos cuadros de Gauguin, por ejemplo, les he puesto la cara de mi mujer o de mi hija, los he variado. Aún me encuentro en fase de aprendizaje.

Julián González. Exposición Tanteos II, en el Centro Cultural José Luis López Vázquez — La exposición de Julián González, Tanteos II, en el Centro Cultural José Luis López Vázquez

Se puede decir que su estilo es el eclecticismo…

De momento sí pero siempre tirando hacia lo moderno. No tengo aún técnica suficiente pero me atrae una pintura que se acerque a lo moderno. Prefiero la cosa moderna a la clásica pero sí soy ecléctico porque, en teoría, sigo aprendiendo.

¿En qué se inspira?

Bueno, me inspiro en todo. He visto bastantes cosas de arte y me baso también en la idea que tengo en ese momento. Muchas veces me pongo a hacer un cuadro abstracto y no sabría decir en qué me inspiro. Otros cuadros, son el producto de otros cuadros que he visto. Hay cuadros míos que se basan en Pollock. En algunos estilos me encuentro más cómodo que en otros, esa es la verdad. Trato de ser un poco expresivo, misterioso, que mis cuadros lleguen a decir algo. Hay cuadros que están basados en una fotografía.

¿Cuándo sabe que un cuadro está terminado?

Muchas de mis obras me gustaría seguir completándolas. Hay algunos de mis cuadros que no los tengo acabados, pienso hacerle algún retoque más.

¿Recomienda la pintura como terapia?

A mí me ha ayudado algo pero como terapia no sé si la recomendaría. La pintura me divierte, me ayuda. Yo trabajé en Iberia de informático, mi mundo no tenía nada que ver con la pintura pero he descubierto que es un mundo muy recomendable.

¿Es posible que sus cuadros salgan a la venta en un futuro?

En principio sí, ¿por qué no? Tampoco me preocupa excesivamente, ahora mismo no necesito el dinero para vivir pero mi idea es que se vendan excepto algunos que son más personales. He expuesto en el José Luis López Vázquez y en el Antonio Machado para intentar exponer algún día en el Retiro por ejemplo, esa sería mi idea. Un sitio como La Casa de Vacas por ejemplo. En este último mes he comenzado a pintar retratos y floreros.

Cultura

Manuel Vigo: “Espero que dentro de 100 ó 500 años alguna de mis fotos sirva para algo”

24/02/201824/02/2018 PAGINAdeldistrito Centro Cultural Antonio Machado

Ya desde joven, Manuel Vigo desarrolló un enorme entusiasmo por todo lo que tiene que ver con la cultura y el arte. Nada sobre las artes pláticas le es ajeno. No en vano, se considera poeta, escritor, ha intervenido en muchas obras teatrales y ha logrado agudizar un conocimiento juicioso de la composición cromática gracias a su certero punto de vista fotográfico.

Este gallego afincado desde hace más de veinte años en Madrid exhibe desde el 14 de febrero hasta el 2 de marzo en la sala de exposiciones del Centro Cultural Antonio Machado Retratos 4S, un trabajo que define como “un proyecto fotográfico que posee una línea maestra: identificar personas no muy conocidas que, en la práctica y en el día a día son genios en sus trabajos pero que están aplastados por toda la burocracia y la organización, tanto de instituciones como de empresas. Toda la labor positiva que hacen se encuentra oculta. El objetivo primordial de Retratos 4S, es el de hacer aflorar esos genios por contraposición a lo que es más fácil. Es un proyecto que va contracorriente”.

Manuel Vigo en la sala de exposiciones del Centro Cultural Antonio Machado

El término 4S tiene su embrión en las archiconocidas cuatro estaciones porque, según Manuel Vigo, “para conocer a una persona, con una foto no se puede. Yo intento atrapar una buena imagen de las personas que elijo para retratar en distintas fases, ya sea del día, del año, de su vida personal, afectiva, etc. De ahí lo de cuatro estaciones, o sea, busco por así decirlo, igual que los cánones musicales de las Cuatro Estaciones y en los propios ciclos de la vida, retratar el ciclo de las personas.

A veces, con una sola foto puede bastar para conocer a una persona, de hecho en fotografía, la mayor parte de los fotógrafos buscan una foto buena. Yo lo que busco es establecer relaciones entre las fotografías, eso es lo que busco cuando retrato a una persona en cuatro entornos distintos por ejemplo…”

Su proyecto, “muy complejo”, según su definición, tiene que verse en físico “en papel porque para mí, las fotografías para que sean artísticas necesitan un soporte físico, no es lo mismo, ni tiene nada que ver, verlas en un soporte electrónico. Dentro de este formato, normalmente hay que hacer cartelas. Yo, preventivamente lo que hago es, como no sé si voy a lograr poder poner las cartelas o no, poner un título indicativo, de ahí los pies de fotos”.

Para Miguel Vigo, “una fotografía no es una biografía, es un instante. Lo que pasa es que es un instante que, en función de la persona retratada y de lo que has conseguido en esa fotografía puede trascender. Eso es lo que busco como fotógrafo, dejar un legado fotográfico. Por eso espero que dentro de 100 ó 500 años alguna de mis fotos, sirva para algo”.

No ha podido sustraerse el mundo fotográfico de las grandes transformaciones que han asolado al mundo en estas últimas décadas. El cambio del sistema analógico al digital, la proliferación de las redes sociales, Internet ha supuesto para Vigo una banalización del retrato. “La fotografía en general se ha convertido en algo prescindible. Eso tiene mucho que ver con los códigos de representación. Se dice fotografía pero ¿qué significa eso? Detrás de esa palabra hay muchísimas cosas. Yo separo completamente la fotografía que hago, que es artística de una mera fotografía. Ya hay casos de juicios donde los jueces distinguen entre una foto de verdad y una mera fotografía. Ya aplican leyes distintas en función de un caso u otro. La influencia de la tecnología ha hecho que desaparezca el concepto de fotografía artística como concepto. Ahora una fotografía la puede realizar hasta un niño pequeño. En ese sentido la fotografía artística está sumida en un cierto mar de tinieblas y se ha perdido el norte”.

Distingue el creador de Retratos 4S entre el fotógrafo artesano y el fotógrafo artista. “Son muy distintos. La fotografía llega a los 200 años de antigüedad. El primero en captar una imagen latente fue el francés Niépce. Halló los métodos químicos y mecánicos para captar el patio de su granja de campo. Hizo la primera fotografía, muy mala técnicamente pero de un valor extraordinario que data de 1826. En estos 200 años ha habido una revolución tecnológica de la fotografía. Kodak, a finales del siglo XIX logró meter dentro de una caja pequeñita una Kodak Brownie, metieron el primer carrete de 120 y ellos empezaron vender la caja, no el carrete. Se forraron con eso. Comparabas la cajita, tú la devolvías. Ellos luego te daban las fotos con otra cajita. Ese sistema de comercialización hundió completamente a la tecnología anterior”.

Intercala en Retratos 4S, Manuel Vigo, la fotografía en blanco y negro con la de color. “No dicen lo mismo. Hay dos grandes mundos: el espectador, que es un aficionado al que le gusta el arte y luego están los propios fotógrafos. Tales mundos no tienen nada que ver. ¿Qué ve un espectador normal y que percibe un crítico? De cara a un espectador, una fotografía en color o una en blanco y negro no son distinguibles, puede ver lo mismo pero para el artista no.

El artista ve cosas distintas porque en clave artística el color y el blanco y negro no tienen nada que ver. Mucha gente cree que la fotografía es lo que se fotografía. Cuando ves un retrato, eso no es la persona, sino una representación, una fotografía. Toda fotografía genera una ilusión muy fuerte de realidad y tendemos a identificarnos con esa realidad. Si hago una foto y la presento en color, es más realista que una en blanco y negro. El blanco y negro aleja más la fotografía de la realidad”.

Una de las características que definen a Manuel Vigo Monterrey es su pasión por lo que hace. Se puede decir que vive al límite la fotografía, piensa mucho la foto antes de hacerla y se siente incapaz de despojarse del disfraz de fotógrafo un solo instante. “Mis fotos miran mucho tanto el pasado como el presente y el futuro”. Reconoce que “la fotografía es un arte que se puede aprender pero yo me quedé atrapado cuando era niño. Mi madre me regaló un modelo de Kodak, con carrete de 127, me lo puso en la mano y ni me explicó lo que hacía. Era un modelo que tenía cuatro modos de luz. Al mirar por aquel tosco visor me quedé atrapado. Ahí entendí lo que era la realidad, lo que yo veía a través de mis ojos, y lo que veía a través de la cámara. Desde ese momento fui fotógrafo”.

Señala a la comunicación como el elemento más importante de un retrato. “Para que un retrato sea bueno y trascienda, es que el retratado, la cámara y el fotógrafo se logren alinear en un instante mágico y eso no se enseña en ningún libro”.

Cultura

San Blas-Canillejas conmemora el día internacional de la narración oral

22/02/201801/03/2018 PAGINAdeldistrito

La librería Libros de Arena se une a las jornadas conmemorativas del Día Internacional de la Narración Oral que, organizadas por la Asociación Madrileña de Narración Oral (MANO), este año se desarrollarán bajo el lema “Sabia locura”.

El 20 de marzo se celebra el Día Internacional de la Narración Oral con el objetivo de recordar que el arte de contar historias está presente y vivo en todas las culturas.

Esta iniciativa tuvo sus inicios en Suecia en 1991: conocido como el Día de Todos los Narradores Orales, la red de narradores suecos decidió festejar el equinoccio de primavera contando cuentos por todo el país. Poco a poco el evento fue contagiando a otros países, primero próximos y cada vez más lejanos, hasta que hoy en día prácticamente narradores de todos los países del mundo lo celebran.

Desde el año 2011, la Asociación Madrileña de Narración Oral (MANO) —formada por narradores, narradoras y personas amantes de los cuentos que trabajan para promover el crecimiento del arte y el oficio de contar historias en la Comunidad de Madrid— participa en la celebración de este día con unas jornadas que incluyen diferentes eventos con el objetivo de promover el crecimiento del arte y oficio de la narración oral, promocionar, gestionar y generar eventos en torno a ella, y favorecer el encuentro entre narradores y nuevos públicos.

Y será la librería Libros de Arena la que traiga de nuevo hasta San Blas-Canillejas la edición de este año. En concreto, el viernes 16 marzo a las 20:30 horas serán Silvia Mascaray, Monica Botella y Amalia Gallego quienes, entre libros y en un espectáculo para adultos, exploren, pongan patas arriba y den unas cuantas vueltas al lema de las jornadas.

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