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Maite Gómez lleva la pintura metida en la sangre desde que estudiaba en el instituto. Sus cuadros son reconocibles al primer golpe de vista gracias a los colores: vivos, expresivos, con alma. Durante la primera quincena de abril expone en el centro cultural Antonio Machado su muestra “El color de mi mundo”.

¿Cómo surge la muestra de pintura “El color de mi mundo”?

Mi interés por la pintura viene desde mi época de instituto cuando visitamos por primera vez el museo del Prado,  desde entonces empecé a hacer mis pinitos con los colores haciendo manualidades y llegando en la juventud a pintar algunos óleos. Después llegó la fase de familia, trabajo e hijos y todo quedó en standby. No fue hasta hace unos años que por avatares de la vida terminé apuntándome a mis primeras clases de pintura (hasta entonces había sido autodidacta), las clases me dieron técnica pero sobre todo me dieron continuidad. Esta continuidad es la que ha permitido la evolución de mi obra.

El color de mi mundo no es más que un extracto de mi obra, la exposición está formada de cuadros de mis diferentes épocas, de hecho varío algunos cuadros de exposición en exposición. El hilo conductor de mi obra es el color, mis cuadros siempre tienen más color que los originales de los que parto. Para mí el color es alegría y optimismo, es mi especial forma de ver la vida.

¿Qué intenta expresar con su pintura?

Sentimientos, mis cuadros expresan mi estado de ánimo en cada momento, mis alegrías y mis penas, mi optimismo y mi desesperación,… La obra más representativa de esto es “liberación”, el cuadro muestra un bosque frío, nevado y gris y, en el centro del cuadro, el agujero de una cerradora mostrando una carretera en un luminoso día de verano. Cuando pinté este cuadro atravesaba una época complicada laboralmente y sabía que en algún lugar estaba la “salida”, el hecho de pintarla supuso una válvula de escape para mí, y espero que sea una llama de esperanza para todos aquellos que atraviesen una situación similar a la mía; no importa lo complicada que resulte la vida en un momento dado, las malas épocas siempre terminan y detrás hay una época que está en nuestras manos que sea estupenda.

Por otro lado también  están mis cuadros rosas y naranjas de mi época de felicidad; y últimamente los mares con la inmensidad y la fuerza de las olas que expresan el poderío que tenemos cada uno de realizar nuestros deseos.

¿Qué aceptación está teniendo hasta el momento?

En mi casa dicen que “el Color de mi mundo” es una muestra itinerante, la he ido exponiendo en diferentes Centros Culturales de Madrid: Gloria Fuertes, Moratalaz, Carril del Conde, Ciudad Pegaso, José Luís López Vázquez y ahora el Antonio Machado. El punto en común que me han transmitido en todos ellos es que han disfrutado con el colorido y han salido de la exposición más ligeros, con energía renovada.

¿En qué estilo se encuentra más cómoda?

Gran parte de mi obra es óleo, la ventaja del óleo es que me permite tocar y retocar hasta que me encuentro satisfecha con el resultado. Mi obra “el sueño” es un buen ejemplo, el cuadro muestra una niña sentada en la luna con un conejito en las manos y sobre un mar de nubes. El color del vestido de la niña pasó prácticamente por todos los colores del arco iris hasta que terminó en su color definitivo que es el azul. Pero por otro lado hay veces que el cuerpo me pide hacer algo rápido, entonces trabajo sobre papel, pinto la base en una grisalla (blanco y negro) con acrílicos y luego lo coloreo con pinturas pastel. Esta técnica me permite tener resultados en un día aunque siempre me paso un par de días retocando detalles.

¿En qué se inspira?

Me inspiro en todo aquello que me rodea, en mis experiencias personales, mi familia. Detrás de cada cuadro hay una historia, un viaje, o simplemente algo hermoso que quiero compartir. Por supuesto las modelos principales de los retratos son mis hijas en sus diferentes etapas de la vida pero también hay un retrato de Andrew, el conductor de un autobús que nos llevó unas vacaciones. También hay paisajes y pequeños detalles de la vida que nos rodean y que pasan desapercibidos en nuestro día a día.

¿Cómo comienza una pintura? ¿Cuál es el proceso de creación?

Todo comienza con las fotografías, haya donde vamos nos gusta hacer fotografías de las cosas hermosa que vemos, a veces no son más que unas margaritas creciendo en el borde de una escalera que baja a la playa o la hiedra enredándose en una valla de madera en Cabárceno. Tengo tantas fotografías guardadas  que necesitaría varias vidas para poder pintarlas. Después en un momento dado me surge el deseo de pintar algo, recuerdo mi foto o busco en internet fotos que me den la base para lo que quiero pintar. Generalmente para pintar un cuadro me inspiro en diferentes fotografías y siempre, siempre termino incluyendo mi particular visión del color.

¿Cuándo sabe que un cuadro está terminado?

Buena pregunta, en general sigues tocando un cuadro hasta que éste refleja lo que estás buscando, hay detalles que dejas borrosos o inacabados porque lo que quieres es llamar la atención sobre otra parte del cuadro. De todas formas no es fácil decidir si el cuadro está terminado, en algunos consigues lo que buscas y decides no tocar más; otros pasan por la fase “de castigo”, los pones de cara a la pared durante un tiempo para luego, al volver a verlos, ver que es lo que estás buscando y no conseguías; y por último están los que das por acabados por desesperación y al cabo de los meses decides retomar.

¿Cómo contempla la pintura actual?

Creo que actualmente se están produciendo obras muy buenas, basta con darte una vuelta por los diferentes concursos para ver obras realmente  buenas de personas poco conocidas. Por supuesto cada uno tiene sus gustos y no todos los estilos sirven para todo el mundo. Una persona no hace mucho que me dijo que para ella “Arte es aquello que me dice algo”, me parece una definición perfecta. Para mí me parece estupendo tener colgado un cuadro en la pared que me permita desconectar del mundo mientras lo miro para volver después con energía renovada.

Hábleme de sus influencias.

Goya despertó mi interés por la pintura, en mi época de instituto no había internet, después de preparar un trabajo sobre Goya fuimos a ver sus cuadros al museo del Prado y me parecieron impresionantes. Pero el pintor que más ha influido en mi obra sin lugar a dudas es Sorolla, su luz y su color son la base de mi obra. No importa cuántas veces vea sus cuadros, siempre aprendo algo de ellos. Los azules, los morados en las sombras y sobre todo los blancos. La próxima vez que veas una exposición de Sorolla elije un cuadro, primero míralo de lejos, siéntelo, analiza lo que ves, luego acércate y mira las pinceladas, pero sobre todo los colores con los que ha conseguido las luces y las sombras, después de esto seguro que cuando veas cualquier cuadro de Sorolla lo verás con otros ojos.

El Centro Cultural Antonio Machado albergó la exposición de Javier Falque, un publicista madrileño al que un suceso puso del revés toda su existencia: el Alzheimer diagnosticado por su madre. Esa terrible enfermedad supuso el germen que dio pie a ‘Recuerdos borrados por el Alzheimer’. Su periplo por diferentes salas de exposiciones no puede ser más exitoso. A nadie le resulta indiferente.

¿Cómo surge ‘Recuerdos borrados por el Alzheimer’?

Surge porque mi madre tuvo Alzheimer durante ocho años. Como todo el mundo sabe, es una enfermedad bastante dura. Destruye al enfermo poco a poco, así como también a los familiares y a todos los que están alrededor. Surge para ayudar y dar a conocer esta enfermedad, así como para darle visibilidad.

¿Se puede decir que es un homenaje a su madre?

No diría tanto. Evidentemente ella está representada pero lo que he querido hacer es difundir y comunicar la experiencia que he tenido con una persona allegada y querida que tuvo Alzheimer.

¿Cómo transcurrieron sus inicios en la pintura?

Empecé hace 30 años en plan amateur. Iba a una escuela de pintura y allí comencé a pintar. Durante esas tres décadas ha habido altibajos, momentos en los que he pintado mucho, en los que he pintado poco y ahora, últimamente llevo cinco años en el Círculo de Bellas Artes. A partir de ir al Círculo y estar pintando en los talleres que allí tenemos me surgió la idea: si seguir pintando cuadros sin un sentido concreto o realizar una exposición que representase algo duro como es esta enfermedad tan terrible.

Viene del mundo de la publicidad. ¿Está muy presente en su obra?

Creo que sí. Llevo toda la vida trabajando en publicidad, trabajando tanto para anunciantes y agencias publicitarias nacionales e internacionales y creo que sí se encuentra muy representada en mi obra. La forma de hacer, de explicar e interpretar la exposición posee un contenido que puede ser de difusión publicitaria.

¿En qué estilo se encuentra más a gusto?

En el que he representado. Hay gente a la que le puede gustar más, otros a los que les puede gustar menos y viendo esta muestra y algunos otros cuadros que tengo sí me han dicho gente erudita que conoce bien la pintura que mi estilo recuerda mucho al de los pintores alemanes.

¿Qué le ha enseñado una enfermedad tan despiadada como el Alzheimer?

Me ha enseñado a entender a las personas, a estar más cerca de ellas y sobre todo a darles cariño. Como antes decía, el Alzheimer destruye primero al enfermo y después al cuidador. Se van rompiendo vínculos, se va rompiendo el contacto, sólo queda el visual y el tacto, no se les entiende y al final solo queda el sentido del tacto: tocar, besar. También la música es muy beneficiosa para ellos, parece ser que es de las pocas cosas que no olvidan.

¿Cómo ha sido la aceptación de la muestra?

Me he sentido desbordado. Se inauguró en septiembre de 2017 coincidiendo con el Día Mundial del Alzheimer. La expuse por vez primera en una sala de Cruz Roja y lo único que pretendía fue dar a conocer la exposición. Mi sorpresa fue que inmediatamente tuvo una gran aceptación, fue muchísima gente a contemplarla como por ejemplo una escuela de cuidadores, gente de la institución, personas que habían tenido enfermos con Alzheimer. Tengo una anécdota: me ofrecí a una persona que estaba viendo la muestra a explicarle la exposición y me dijo que era ya la tercera vez que venía a verla porque su padre tuvo Alzheimer. Me confesó que en el momento en que su padre dejó de conocerlo, para él murió. Yo le expliqué que mi exposición no iba sobre muerte, sino sobre la vida porque creo que hasta que no fallece la persona, hay vida. Él luego me admitió que tras ver mi exposición se arrepintió de su primer pensamiento. Me dijo que la muestra le ayudó mucho y le sirvió de terapia. Con eso yo ya me doy por satisfecho.

Cuando afirma que el Alzheimer es una enfermedad que no encaja ¿a qué se refiere?

Porque no encaja en ningún sitio. A los médicos creo que les falta mucho conocimiento, las farmacéuticas investigan menos de lo que deberían y sobre todo, la ayuda que tenemos los enfermos y los cuidadores es muy pobre. Se invierte poco dinero en investigar esta enfermedad con respecto a otras. Es cierto que cada vez tiene más visibilidad. En las instituciones tampoco encaja así como en la sociedad actual porque es una demencia, porque parece que están locos, lo cual no es cierto.

¿Qué mejoras reclamarías a las administraciones?

Simplemente que se pusieran por un instante en nuestra piel y que pensaran tan solo un minuto que el enfermo de Alzheimer pudiera ser su padre o su madre. Con esa reflexión, todo sería distinto.

Roberto Martín procede de Mocejón, un municipio toledano de la comarca de La Sagra que linda con los términos municipales de Aranjuez al este en la provincia de Madrid y Magán y Villaseca de la Sagra al norte, Toledo al sur y Olías del Rey al oeste. Empezó muy joven en el mundo de la pintura y con 52 años expone en el Centro Cultural Antonio Machado la muestra “Pintura contemporánea del Realismo y forja artística”. Página del Distrito charló con el artista:

Pintura contemporánea del realismo y forja artística se llama la exposición que presenta.

Así es. He relacionado la forja desde sus comienzos más elaborados artesanalmente porque siempre hay que dibujarlas primero, crearlas, visualizarlas en la mente, trasladarlas al papel y, posteriormente a la realidad. Con ese dibujo no puede faltar en ningún momento la madre de las artes, que es la pintura. Me motivó bastante mezclar forja y pintura y crear una exposición con la oportunidad que nos han ofrecido en el Antonio Machado, que es una muestra que trata de eso, de la esencia de la forja con toda su creación y realización, llevándola a buen fin. Y luego está la pintura, que se complementa a la perfección.

¿Mezclan bien pintura y forja?

Creo que sí porque para forjar también utilizamos todo tipo de pátinas, creamos muchos colores, entendemos el color, sobre todo los óxidos y muchos tipos de pátina. La forja tiene su volumen, el volumen real y la pintura, al ser un sitio plano, es muy difícil llegar a crear ese volumen. Creo que se complementan bien y sí se pueden relacionar sin problemas.

¿Cómo fueron sus inicios?

Comencé muy pequeño en el mundo del arte gracias a mi padre que ya era artesano. Venía de mi abuelo, ambos empezaron juntos también a una edad temprana. Luego he estado en escuelas de formación, en la Escuela de Arte de Toledo (la forja en Toledo es conocida mundialmente), el dibujo siempre me motivó desde chico. Cuando era pequeño quería que me regalaran lápices de colores, mi primer caballete lo tuve con 16 años, me he estado formando durante mucho tiempo para llegar a realizar trabajos de cierta calidad. Llevo toda la vida en esto, tengo 52 años y he tenido grandes profesores que me han enseñado.

El pintor, ¿nace o se hace?

Creo que va dentro, cada uno lo lleva en su interior. Eso no sólo pasa en pintura sino también en todas las artes. De todas formas, aconsejo que es necesario que el pintor reciba clases de algunos buenos profesores. En mi caso, mi profesor por excelencia es el madrileño Enrique Donoso, al que le tengo que agradecer bastantes de mis conocimientos. Es cierto que la práctica hace muchísimo pero debe haber cierto asesoramiento de alguien que te aconseje cómo interpretar la luz, la que es fría, la que es cálida, la transición de sombra a luz, si estás en el interior es una luz fría, si estás fuera, cálida, los colores, los materiales que existen y sus aplicaciones, etc.

¿En qué estilo se encuentra más cómodo?

Me encuentro más cómodo en el pastel, dentro del Realismo, es la técnica que más me gusta. El Realismo es mi estilo, con concibo la pintura de otra manera. El pastel es una técnica muy agradecida, rápida, que tiene una saturación de color muy grande pero considero que la verdad de la pintura es el óleo. La pintura al óleo es la que permanece. El pintor que se hace realmente es pintor de óleo pero yo me identifico con el pastel.

¿Cuánto tiempo le lleva crear un cuadro?

Depende de la técnica que utilice. La del pastel es la más rápida, lleva menos tiempo pero hay que decir que se echan muchas horas. Antes debe haber una preparación, saber primero lo que debes hacer, cómo lo vas a realizar, qué colores vas a usar, qué materiales. Hoy día el mercado nos ofrece unos papeles muy buenos, para pintar sobre ellos, también tenemos la tabla. Si es óleo requiere más tiempo, hay que dejar secar. El óleo tiene otro procedimiento, es una técnica que requiere empaste. El pastel una vez que los vas haciendo lo vas dejando acabado, en el óleo debes dejar secar e imaginar el proceso siguiente, debes ver cómo va a reaccionar la otra mano que vas a dar con la que ya has dado anteriormente, es una técnica más lenta, puede llevarte meses hacer una obra de óleo. Con el pastel puede hacer un trabajo muy bueno en una semana.

¿Cuándo sabe que un cuadro está acabado?

Eso es muy complicado. Como decía el maestro Antonio López, “realmente no lo sabes nunca”. Hay veces que le pones algo a posteriori y lo estropeas. Hay que saber medir hasta cuándo quieres llegar en ese trabajo. Hablamos de Realismo, claro. Si el trabajo te convence, déjalo ahí. Hay veces que se deja trabajos a medio terminar en algunas partes y queda bien, eso lo hacen muchos artistas. El retrato exige mucho porque el cliente debe estar satisfecho con el resultado final.

¿En qué se inspira?

Cuando pinto me inspiro mucho en los colores de la naturaleza. Cuando trabajo en la forja me inspiro en el movimiento. Cuando he pintado en un cuadro unas manos, he hecho una alegoría a la forja.

¿Cuáles son sus principales influencias?

Intento no copiar a nadie. Intento coger de cada uno de los que he estudiado, algo pero no intento nunca hacerlo igual. Cada pintor tiene su técnica, su manera de trabajar. Sí recojo las enseñanzas de los que me han influido. Los pintores lo que intentamos es coger nuestra propia personalidad, busco tener un camino propio, siempre intentando innovar tanto en el metal como en la pintura.

¿Convive bien el realismo con la pintura contemporánea?

Sí porque hoy día hay muy buenos pintores realistas, sobre todo en España, como Antonio López, Muñoz Vera, gracias a ellos tenemos los primeros puestos en el mundo. Es cierto que se entiende poco porque vivimos en una sociedad que está en continuo cambio y por tanto, se crean nuevas inquietudes en pintura, escultura, arquitectura pero en líneas generales, el Realismo convive bien en la sociedad actual.

¿Le gusta el Hiperrealismo?

No llego a entender el Hiperrealismo, creo que el Realismo es más auténtico que el Hiperrealismo. Éste se escapa un poco de las manos. A Antonio López lo veo realista no hiperrealista. El Realismo es lo que nos dejaron los grandes maestros, ¿para qué vamos a llegar más allá si ya tenemos la fotografía…?